Une critique du puissant drame de Sarah Polley, Women Talking

Femmes qui parlent est une histoire qui n’est ni spectaculaire ni cinématographique conventionnelle. Le roman de Miriam Toews est en grande partie une expression d’idées à travers des discussions dans un seul lieu, avec des fils de conversation se brouillant dans une prose ressemblant à une notation griffonnée à la hâte. L’adaptation sur grand écran de la scénariste-réalisatrice Sarah Polley est largement fidèle à ce ton et à ce style, permettant au débat central de se dérouler avec une interruption minimale par un incident dramatique à l’écran. Cependant, c’est ce qui pas là ça fait Femmes qui parlent se démarque, sinon précisément comme un exemple de cinéma dramatique, du moins comme une communion collaborative de voix féminines prenant position contre la violence.

Inspiré par des événements déchirants et réels survenus dans une colonie mennonite bolivienne vers 2010, Femmes qui parlent suit la conversation dans les greniers à foin des femmes mennonites alors qu’elles se rendent compte qu’elles ont été systématiquement droguées et agressées sexuellement par les hommes de leur colonie pendant plusieurs années. Confrontées à la réalité selon laquelle elles et leurs enfants ne sont pas en sécurité dans une société qui protégerait leurs agresseurs en faisant croire aux victimes qu’elles sont punies par Satan, les femmes se rendent compte que leurs seules options sont soit de rester et de se battre pour leur vie. droits ou partir dans le monde extérieur inconnu.

Cet ensemblepermet des discussions de grande envergure sur la libération des femmes et une déconstruction des structures patriarcales qui sont incroyablement spécifiques au monde isolé d’une société technologiquement régressive, tout en étant également philosophiquement applicables plus largement aux rôles que jouent les femmes en tant que mères, épouses et personnes de foi. . Pour une histoire qui repose fondamentalement sur le conflit à travers la conversation, le dialogue de Polley – empruntant souvent directement au texte de Toews – est convaincant sans la nécessité de représentations graphiques d’événements traumatisants. Au lieu de cela, il se concentre sur des flashbacks fragmentaires des conséquences d’une agression pour démontrer son impact émotionnel, en faisant confiance au public qui comprend l’horreur de la violation sexuelle sans exiger que nous en fassions l’expérience par procuration.

Polley aurait adopté un style très collaboratif dans la réalisation du film, rejetant un état d’esprit d’auteur dans la direction de ses acteurs et de son équipe. Cette philosophie transparaît dans des performances emphatiques sans pour autant être des voleurs de spectacle absolus. Le protagoniste apparent, Rooney Mara, dépeint une femme mise enceinte par son agresseur, mais elle porte toujours l’amour dans son cœur alors qu’elle arbitre la discussion avec ses sœurs mennonites. Comparez cela avec Jessie Buckley et Claire Foy, qui expriment leur traumatisme à travers des postures défensives et des appels à la rébellion violente, bien que leurs raisons individuelles soient d’une divergence inquiétante. Ces grands noms réalisent certainement des performances qui attireront l’attention des récompenses conventionnelles. Mais l’ensemble de l’ensemble propose un travail nuancé, dévastateur et parfois même humoristique, des actrices matriarcales Judith Ivey et Sheila McCarthy aux jeunes actrices Kate Hallett, Liv McNeil et Michelle McLeod. Leur interaction suggère une vision kaléidoscopique de l’oppression patriarcale et des différentes manières d’y réagir, que la vision collaborative de Polley permet d’obtenir avec un grand effet.

Cependant, ce désir d’être holistique a ses inconvénients, en particulier en ce qui concerne les personnages qui fonctionnent mieux dans l’approche décousue et vécue du roman, par opposition à un film où les éléments superflus peuvent souvent sembler vestigiaux. Parfois, ces fautes sont mineures, comme avec Ben Whishaw dans le rôle d’un ancien professeur d’école excommunié chargé de tenir le procès-verbal de la réunion comme seul sympathisant lettré de leur cause. Dans le roman, ce personnage sert de narrateur et d’observateur subjectif avec une perspective qui oppose la société mennonite au monde extérieur. Il s’agit, cinématographiquement parlant, d’un rôle superflu qui donne l’impression qu’une révélation tardive du troisième acte est inutilement forcée. Heureusement, il joue toujours un rôle important en démontrant que les hommes sont capables d’écouter, de grandir, d’apprendre et de changer, un contrepoint nécessaire aux appels à vilipender les hommes en les considérant comme des causes perdues ou des dangers inhérents.

Cependant, ce qui est moins convaincant, c’est un jeune homme transgenre, interprété par August Winter, qui prend conscience de son identité à la suite de son agression. Bien que le dialogue s’efforce de souligner que l’agression n’a pas traumatisé le personnage dans son identité transgenre, elle apparaît comme une expérience en bas de page d’un personnage volontairement muet qui, autrement, ne contribue pas beaucoup aux discussions en cours. Encore plus déconcertant est le casting de Frances McDormand dans le rôle d’une des premières objectrices qui quitte la réunion dans les scènes d’ouverture, représentant le contingent de femmes qui estiment que le fardeau des abus patriarcaux est leur devoir de porter. Bien que ce rôle crée un contraste important dans le récit, cela semble être un gaspillage de voir un talent comme McDormand se limiter à une simple poignée de regards silencieux et sévères.

Toujours, Femmes qui parlent est à peu près aussi direct que le cinéma l’est dans la description des complexités et des nuances de la lutte féministe, et il accomplit beaucoup de choses avec des personnages qui ne se considéreraient probablement pas comme féministes ou révolutionnaires. Bien qu’il lui manque une voix unique pour relier ses thèmes et ses conflits, ce choix tout à fait intentionnel permet de créer un film qui parle d’une variété d’expériences, créant ainsi un drame cinématographique choral unique. D’une certaine manière, Polley et son équipe ont les yeux plus gros que le ventre, mais ce sont les moments de véritable connexion humaine qui font la différence. Femmes qui parlent un succès.