Slumberland doit rêver plus grand

Le réalisateur Francis Lawrence embrasse le Barry Sonnenfeld qui est en lui avec le spectacle hautement stylisé de Pays du sommeil. Pourtant, il y a une réticence surprenante à s’accrocher à l’étendue d’émotion qui se cache derrière le sentiment d’émerveillement de son image. Même avec une durée prolongée qui mine son impact thématique et met à l’épreuve la patience du public, il s’agit peut-être de la meilleure adaptation de la bande dessinée de Winsor McCay à ce jour. Petit Nemo dans Slumberland. Là encore, cette barre est placée très bas depuis le long métrage d’animation de 1989. Little Nemo : Aventures à Slumberland de la même manière, il n’a pas réussi à exploiter le véritable pouvoir du conte.

Nemo (Marlow Barkley), 11 ans, vit avec son père veuf et attentionné Peter (Kyle Chandler) sur une île isolée quelque part au large de la côte nord. Ils passent leurs journées à naviguer, à cuisiner et à s’occuper de leur phare. Il l’endort chaque nuit avec de grandes histoires de chasse au trésor et d’aventures avec son meilleur ami Flip (Jason Momoa) – un coquin habillé comme un aboyeur de carnaval bohème avec des cornes de bélier, de longs cheveux filandreux et des crocs en guise de dents. Une nuit d’orage, après avoir raconté une de ces histoires passionnantes au coucher, son père meurt lors d’un appel de sauvetage sur les mers tumultueuses.

Nemo, désormais orpheline, est envoyée vivre avec son ex-oncle, bourreau de travail, Philip (Chris O’Dowd), qui a du mal à s’identifier à sa nouvelle charge. Après une journée cauchemardesque après l’autre, ses rêves se transforment en une évasion où elle aspire à retrouver son père. Au lieu de cela, ils la guident sur un chemin dangereux impliquant une carte de perles exauçant les vœux et, une fois de plus, l’ami de son père Flip, qui a perdu la mémoire. Pendant ce temps, un agent du bureau (Weruche Opia) et un monstre de fumée d’un autre monde les poursuivent, menaçant de faire dérailler leur mission.

Soutenu par les performances élevées de Barkley et Momoa, le scénario de David Guion et Michael Handelman gère avec agilité les conventions de copain flic et de road trip qui frappent des rythmes prévisibles avec charme et astuce. Barkley se livre à un travail à cœur ouvert, révélant les facettes cachées des énigmes de son personnage. Momoa montre un don pour une grande comédie, livrant sans crainte une fanfaronnade loufoque et douce. Des scénarios de rêve, se déroulant dans des mondes farfelus où un enfant en bas âge portant un pompadour conduit un camion à ordures et un fan de hockey chevauchant une oie géante à travers des montagnes aux sommets enneigés, deviennent des décors où les acteurs se déchaînent, mettant en valeur leur alchimie.

La partition de Pinar Toprak canalise l’esprit thématique et la fantaisie, se sentant ludique et poignante, planante et sentimentale, révélatrice et ingénieuse. La cinématographie enchanteresse de Jo Willems propose une gamme et une palette de couleurs saturées, débordantes de vie, capturant des états de rêve épanouis comme le pop art. Combiné avec la conception de la production de Dominic Watkins et la conception des costumes de Trish Summerville, cela devient une somptueuse symphonie dans ces environnements vibrants, empruntant l’aspiration esthétique à des artistes comme Pousser les marguerites et Hommes en noir pour augmenter la bande passante tonale et la portée sentimentale de l’image.

Alors que les séquences de rêve semblent absolument spectaculaires (grâce au travail soigné du superviseur des effets visuels Adrian De Wet), les cinéastes se révèlent plus conservateurs avec le récit lui-même. Bien qu’ils soient esclaves des règles de l’univers, les rappelant continuellement au public chaque fois que cela est possible, ce sont des rêves dont nous parlons – et avec cela viennent des dimensions déformées, indisciplinées ou lourdes. Par conséquent, ces séquences sont plus cohérentes que folles, faisant parfois des clins d’œil conscients à leurs connotations psychologiques de manuels et laissant le public aspirer à des paramètres plus imaginatifs. Ils ne peuvent pas s’affranchir d’une qualité superficielle de type « insérer la poursuite ou la perturbation ici » plutôt que d’évoquer la spontanéité ravissante des rêves réels.

La motivation évocatrice de l’image est encore plus atténuée par sa durée de près de deux heures. Le monde éveillé et le monde onirique se mélangent mal dans les tentatives du film d’équilibrer les enjeux émotionnels réels et les enjeux physiques surréalistes. Il est ironique que les personnages luttent contre les complexités de la vie tandis que les cinéastes eux-mêmes luttent contre la puissance émotionnelle de leur matériau. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas d’aspects déchirants et réconfortants. Ils le sont assurément, puisqu’une grande partie de l’intrigue comporte une lourde composante sentimentale, encore amplifiée puisque cela arrive à une enfant sans défense et à son oncle sans amarrage. Malheureusement, il s’avère discret alors qu’il devrait être brûlant.

Pays du sommeil ne marche pas à la légère lorsqu’il s’agit de symbolisme et d’allégorie ; le phare et le calmar du smog en tant que métaphores de la parentalité et du chagrin, respectivement, sont évidents. Mais son esprit rebelle étonnamment attachant et ses messages anti-establishment (de l’éducation non conventionnelle de Nemo à la position provocatrice de Flip à l’égard des flics) apparaissent clairement. Ces notions, ainsi que les mécanismes d’adaptation auxquels elles font référence, sont intelligemment conçues et trouvent un écho tant chez les enfants que chez les adultes. Jouant comme un amalgame de Monsters Inc. et Créationce fantasme familial n’endort heureusement pas le public, mais il ne nous entraîne pas non plus dans sa sensation onirique.