Eine Rezension von Joseph Kosinskis Spiderhead

Angesichts der klaren, geradlinigen Grundidee ist es eine bemerkenswerte Leistung des Regisseurs Joseph Kosinski Spinnenkopf fungiert als Trojanisches Pferd für größere zeitgenössische Themen, die sich mit freiem Willen, Ethik, und Gaslighting in der Pharmaindustrie. Der Spielfilm basiert auf der Kurzgeschichte „Escape from Spiderhead“ von George Saunders und veranschaulicht die Gefahren der unkontrollierten Macht von Männern, die Gott spielen. Im Mittelpunkt steht ein zwielichtiger Dr. Feelgood, dessen Hintergedanken willige Testpersonen in ahnungslose Laborratten verwandeln. Mit flinken Darbietungen, raffinierter Politur, düsterem Witz, messerscharfen Gefühlen und einem vom Yacht-Rock durchdrungenen Soundtrack erweist sich der Film als verführerisches Hochgefühl.

In der abgelegenen Spiderhead Penitentiary and Research Facility nimmt eine Gruppe von Gefangenen freiwillig an einem Drogentestprogramm teil und erhält dafür eine Strafe. Sie alle wurden mit einem MobiPak ausgestattet, einem auf ihrem Rücken installierten Verabreichungsgerät, das stimmungsverändernde Chemikalien enthält, die alles steuern, von ihren Sexualtrieben bis hin zu ihren kognitiven und sprachlichen Fähigkeiten. Und jeden Tag werden sie mit der Durchführung psychologischer Experimente beauftragt, die von banal (Beschreibung einer Person oder eines Ortes) bis hin zu herausfordernd (Entscheidung, wem eine gefährliche Droge verabreicht werden soll) reichen.

Leiter des provisorischen Gefängnisses ist Steve Abnesti (Chris Hemsworth), der daran glaubt, seine Gefangenen wie Gäste und Arbeitskollegen zu behandeln, ihnen ein falsches Sicherheitsgefühl zu vermitteln und sie dann dazu zu manipulieren, das zu tun, was er braucht. Er und der pflichtbewusste, naive Mitarbeiter Mark (Mark Paguio) überwachen alle sorgfältig während und außerhalb ihrer therapieähnlichen Sitzungen. Jeff (Miles Teller), Lizzy (Jurnee Smollett), Heather (Tess Haubrich), Ray (Stephen Tongun), Rogan (Nathan Jones), und Sarah (Angie Milliken) leben in einer relativ ungestörten Utopie zusammen. Bis diese scheinbar altruistische Fallstudie schrecklich schief geht und Jeff und Lizzy vermuten, dass Abnesti mehr Feind als Freund ist.

Die Drehbuchautoren Rhett Reese und Paul Wernick bauen auf interessante, kluge Weise auf dem Entwurf der Kurzgeschichte auf, verändern die Perspektive von einer Einzelperspektive zu einer gemeinsamen und besetzen sowohl Jeff als auch Steve als Protagonisten. Sie erweitern auch sinnvoll die heiklen Bereiche, wie etwa die zugrunde liegenden Themen Resonanz und Widerstandsfähigkeit. Die ineinander verschlungenen Bögen des Paares entwickeln sich im Laufe des Films kontinuierlich weiter, während die Waage vorhersehbar in verschiedene Richtungen abfällt, was zu einem Machtaustausch führt. Der mehrschichtige Aufbau der Charaktere gibt der Geschichte Schwung und führt zu einem schlanken, gemeinen, wenn auch etwas bequemen Abschluss. Die Filmemacher vermischen gewöhnliche Umstände mit einer großzügigen Portion komödiantischer Farce, was sich nicht nur in dem sophomorischen Running Gag mit einem Fäkal-Graffiti-Künstler zeigt, sondern auch in den Sitzungen, in denen Steves Liebestrank auf die Probe gestellt wird.

Allerdings werden nicht alle am Quellmaterial vorgenommenen Änderungen so erfolgreich verarbeitet. Abgesehen von Lizzy und den geheimen Kämpfen, mit denen sie zu kämpfen hat, fungieren Frauen größtenteils entweder als Handlungsinstrument oder als Pointe. Ein Mangel an Bestimmtheit seitens der Filmemacher untergräbt die Frage, ob diese Wahl als subversiver Kommentar verstanden werden soll, dass selbst dieses Kastensystem der neuen Welle, ähnlich wie die dysfunktionale Gesellschaft außerhalb der Mauern der Besserungsanstalt, in Sexismus zusammenbricht. Außerdem schleicht sich ein abgestandener homophober Witz ins Geschehen ein und bringt die Sache auf Geheiß des schlecht durchdachten Teils zum Stillstand.

Allerdings verstärken Kosinski und seine Mitarbeiter die Charaktere, ihre Konflikte und Rätsel mit filmischer Sprache. Der Einsatz von Montagen zeugt von großer visueller Geschicklichkeit, wobei Claudio Mirandas Kinematographie und Stephen Mirriones scharfsinnige Schnitte im Gleichschritt aufeinandertreffen, Spannung und Elektrizität steigern und das Publikum in die Lage und die Psyche einbeziehen. Jeremy Hindles brutalistisches und skandinavisches Kabinen-Produktionsdesign und Amelia Geblers verbindendes Kostümdesign weisen uns auf die Perspektiven und Persönlichkeiten hin, die im Spiel sind. Joseph Trapaneses Kompositionen, die von herrlich humorvoll bis bedrückend ahnungsvoll changieren, ergänzen die tonalen Schwankungen der Erzählung. Soundtrack-Auswahlen wie „The Logical Song“, „Feels So Good“, „What A Fool Believes“ und „Crazy Love“ laufen parallel zum eskalierenden Drama und zeigen sowohl klangliche als auch erzählerische Absichten.

Bei seinem dritten Auftritt mit Kosinski gelingt es Teller mit Leichtigkeit, einen gewöhnlichen Menschen darzustellen, der auf der Suche nach Erlösung ist und sich in außergewöhnlichen Situationen befindet. Er verleiht seinem Charakter Nuancen, Stärke, und Verletzlichkeit, die uns für ihn begeistern lassen. Smollett bringt Pathos und Herz in den Vordergrund, insbesondere im dritten Akt. Doch es ist Hemsworths redegewandter, protziger Verkäufer mit einer soziopathischen Seite, der die Hauptattraktion darstellt. Steve ist kein traditioneller Bösewicht-Archetyp und zusammen mit seiner stilisierten, zugänglichen Garderobe ergibt er in den fähigen Händen des Schauspielers einen überzeugenden Charakter.

Während wir kleineren Details voraus sind, die einige entscheidende Katalysatoren definieren – und wahrscheinlich vorhersagen können, wohin die Geschichte führen wird – ist die Reise ein fesselndes Abenteuer, das von intuitiven Schöpfern geleitet wird. Es handelt sich nur um eine vorübergehende Vergiftung, aber dieser zweistündige Dopamin-Tropfen bleibt die ganze Zeit über in ihm verweilen.