„Hunderts of Beavers“-Regisseur Mike Cheslik über gefrorenen Slapstick

Wenn Sie die Chance hatten, zu fangen Hunderte von Bibern während seiner jüngsten Roadshow-Tour oder auf einem der vielen Festivals, auf denen er vor begeistertem Publikum gespielt wurde, wissen Sie bereits, was für ein seltsamer und wunderbarer Film das ist. Wenn nicht, ist es schwer zu erklären. Betrachten Sie ihn als Live-Action Looney Tunes Spielfilm mit Einflüssen, die so weitreichend sind wie Videospiele, Kampfkunstfilme und frühe Stummfilmkomödien. Gedreht wurde der Film über 12 Wochen in der gefrorenen Tundra im Norden von Wisconsin mit einem Budget von rund 150.000 US-Dollar. Im Grunde ist es eine Geschichte von Mensch gegen Natur, in Form von lebensgroßen Maskottchen in Anzügen, die die lokale Tierwelt darstellen. Es gibt noch viel mehr zu dem Film, aber keine kurze Zusammenfassung könnte ihm wirklich gerecht werden. Man muss ihn einfach selbst sehen.

Der Film ist ein Produkt der Partnerschaft zwischen den langjährigen Freunden Mike Cheslik und Ryland Brickson Cole Tews, die zuvor zusammenarbeiteten bei Monster aus dem Lake Michigan im Jahr 2018. Sie haben gemeinsam das Drehbuch geschrieben für Hunderte von Bibern (oder genauer gesagt die Bearbeitung, da es praktisch keinen Dialog gibt), wobei Cheslik die Regie sowie den Schnitt und die visuellen Effekte übernahm. Tews spielt in dem Film Jean Kayak, einen vom Glück verlassenen Applejack-Verkäufer, der zum Pelzjäger wird.

In einem kürzlichen Gespräch mit Der AV-ClubCheslik sprach über die Entstehung des Films, das mittelwestliche Feingefühl, das sie darin einbrachten, und darüber, was als nächstes für ihn ansteht.

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Der AV-Club: Seit 2022 touren Sie mit diesem Film auf Festivals und Events. Haben Sie das Gefühl, dass damit mittlerweile alles gesagt ist, was es dazu zu sagen gibt?

Mike Cheslik: Ja. Es geht einfach immer weiter. Wir werden einfach nie fertig. Ich meine, wir haben viel darüber gesprochen. Die Premiere war 2022 beim Fantastic Fest. Und wir bekommen endlich unsere eigentliche kommerzielle Veröffentlichung, egal in welchem ​​Jahr – 2024?

AVC: Ja, nach meiner Rechnung haben Sie diesen Film jetzt schon zwei Jahre lang beworben.

MC: Zwei Jahre. Ja, ich kann nicht glauben, dass es noch läuft. Aber es hat sich wohl langsam herumgesprochen. Es war ein echter Mundpropaganda-Film.

AVC: Haben Sie im Laufe der Zeit einen Unterschied in der Reaktion des Publikums bemerkt, nachdem sich die Nachricht herumgesprochen hat? Die Leute müssen jetzt eine viel bessere Vorstellung davon haben, was sie erwartet, wenn sie zu einer Vorführung gehen.

MC: Ich habe dabei wirklich viel über Marketing gelernt. Die Leute gehen mit Erwartungen ins Kino und diese Erwartungen werden durch bestimmte Kritiken oder durch das Marketing bestimmt. Das verändert die Art, wie sie einen Film sehen.

AVC: War es in Ihrem Fall eine positive oder negative Veränderung? Oder ein bisschen von beidem?

MC: Mir ist aufgefallen, dass wir viel mehr Nachsicht für unseren zweiten Akt bekommen, der wie ein Videospiel aufgebaut ist. Normalerweise wäre der zweite Akt in einem Film eine verkürzte Montage, also eine Art Montage, in der der Held seine Fähigkeiten verbessert. Aber in unserem Film gibt es keine elliptische Schnittform. Man sieht ihm zu, wie er das ganze Videospiel spielt. Es ist wie ein Lass uns spielen. Und das ist natürlich nicht jedermanns Sache. Ich verteidige das nicht, aber durch einige YouTuber und Kritiker, die die Vergleiche angestellt haben, habe ich festgestellt, dass das Publikum bei unserem zweiten Akt mehr Nachsicht zeigt.

AVC: Sie haben Videospiele als Einfluss erwähnt, was sehr interessant ist, weil Ihr Film diese Hightech-Elemente und Spezialeffekte mit einem altmodischen visuellen Stil kombiniert. Können Sie darüber sprechen, wie Sie Technologie eingesetzt haben, um etwas zu schaffen, das so antik wirkt?

MC: Wissen Sie, es ist wirklich dieser körnige Schwarzweißfilter und der verwehte Schnee und das Abklingen der Schwarztöne, die diesen Look erzeugen. Das war eine Entscheidung, die wir schon früh beim Filmemachen getroffen haben und die uns geholfen hat, schneller mit der Komposition fertig zu werden. Ich mag Filme, die so aussehen, aber es war auch eine pragmatische Entscheidung, damit wir in den Bildern, die wir geschrieben haben, nicht eingeschränkt sind. Wir konnten innerhalb der Parameter so fantasievoll sein, wie wir wollten. Und alle Charaktere sind so etwas wie Maskottchen, also mussten wir nicht Unmengen von Schauspielern engagieren. Indem wir diese Einschränkungen des Aussehens und der Maskottchen akzeptierten, konnten wir jede Idee haben, die wir wollten.

AVC: Da die Geschichte komplett visuell erzählt wird, hauptsächlich durch visuelle Gags, wie war der Schreibprozess? Hatten Sie beim Entwerfen der Geschichte immer die visuellen Elemente im Hinterkopf? Oder gab es einige Dinge, die erst später beim Schreiben kamen?

MC: Das Treatment wurde geschrieben und danach kamen immer viele Zeichnungen. Ich bin einfach ein ziemlich visueller Mensch. Und als Ryland und ich es geschrieben haben, habe ich kleine Gags auf Karteikarten gezeichnet und sie an unsere Tafel geklebt. Einfach eine einfache Drei-Akt-Struktur.

AVC: Gab es etwas, das Sie sich ausgedacht haben, aber letztendlich nicht umsetzen konnten?

MC: Wissen Sie, es wurden zwei oder drei Gags aus Zeitgründen oder wegen der Klarheit herausgeschnitten, oder sie waren nicht gut genug. Oder sie waren wie ein Überbleibsel, wie ein Anhang, der nicht zu den anderen Gags im Film passte. Und deshalb wurden sie entfernt. Aber das sind nur zwei oder drei Gags. Nichts wurde aus Ehrgeiz herausgeschnitten. Ich denke, dass wir aufgrund des von uns gewählten Stils all unsere verrücktesten Ideen einbringen konnten.

AVC: Ist beim Drehen etwas dabei herausgekommen, woran Sie beim Schreiben nicht gedacht hatten?

MC: Nun, es gibt einen Gag, der auch nichts mit einem Läufer zu tun hat, den wir nicht in die Tafeln gepackt haben. Wir haben auf dem Grundstück dieses Typen, Matt Hope, gedreht. Er war eine Zeit lang beim Militär und hat Panzer repariert. Und er macht dort oben im Norden von Wisconsin einfach eine Menge verschiedener Jobs. Einfach ein schlauer Typ mit einem echten Ingenieursverstand, aber er hat, wissen Sie, ein Jahr lang im Wald gelebt. Er hat sich diesen tollen Gag ausgedacht, auf den ich nie gekommen wäre, denn es ist eine Art Überlebens-Gag in der Wildnis: Man trinkt einfach Wasser aus einem Bach und schaut dann nach rechts und jemand pinkelt nur 20 Fuß flussaufwärts von einem.

AVC: Oh, richtig, das passiert ziemlich früh im Film.

MC: Ja, es ist die Enthüllung des Maskottchens. Es ist eine Kamerafahrt nach links zum Waschbären und es ist, als würde man in den Bach urinieren. Und das ist etwas, woran ich nie gedacht hätte. Es ist einfach eine nette kleine Sache über das Überleben in der Wildnis, die mir nie in den Sinn gekommen wäre. Wir kommen aus Wisconsin, aber wir sind irgendwie aus der Stadt. Wir lieben die Natur und Camping und Geschichten über das Überleben in der Wildnis, aber auf diesen Gag wäre ich allein einfach nicht gekommen.

AVC: Das ist interessant, denn ich wollte Sie nach dem ganzen Mittleren Westen fragen und wie das Ihr Filmemachen beeinflusst. Sowohl dieser als auch Ihr vorheriger Film mit Ryland, Das Monster des Lake Michiganhaben ein mittelwestliches Ambiente und Flair. Geht das auf Ihre eigenen Wurzeln zurück, als Sie in Wisconsin aufgewachsen sind?

MC: Ja, ich finde Wisconsin wirklich witzig. Die Leute dort haben einen tollen Sinn für Humor. In den meisten Bars in Wisconsin kann man einfach so reingehen und 80 Prozent der Leute dort sind verdammt witzig. Und ich hoffe, dass das regionale Kino etwas von diesem Staat behält und nicht einfach das imitiert, was in New York und LA passiert. Und das soll kein Schlag gegen New York und LA sein, zwei Orte, an denen ich gelebt und die ich genossen habe, aber ich mag die Leute aus Wisconsin und ihre Sensibilität einfach sehr. [which] Ich bin damit aufgewachsen. Ich würde mir nur wünschen, dass kleinere Gruppen von Filmemachern und Künstlern versuchen würden, ihre eigene regionale Stimme zu entwickeln, anstatt den Küsten zu folgen.

AVC: Es scheint, als gäbe es jetzt einen Platz für diese Art von kämpferischen Indie-Filmen, die eine Art Anti-Hollywood- und Anti-Studio-System sind. So etwas würde ein Studio nie machen, und die Leute scheinen sich danach zu sehnen.

MC: Ja, und gleichzeitig steht es in dieser amerikanischen Studiotradition des Slapstick-Genres. Es ist eine absolute Hollywood-Tradition; es ist nur eingeschlafen. Und ich weiß, dass es im Mittleren Westen viele Väter gibt, die immer noch zuschauen. Three Stooges Wiederholungen und finde es immer noch urkomisch. Und das sind die Art von Vätern, mit denen ich aufgewachsen bin. Und ich dachte, lass uns einen riesigen Indie-Film für sie machen. Das ist ein schwieriger Markt, denn einige dieser Typen haben neuen Filmen abgeschworen, aber, wissen Sie, die jungen Leute mögen ihn auch.

AVC: Sie haben Recht, diese Art von Komödie gibt es schon lange, aber irgendwie wirkt sie immer noch frisch. Ich glaube nicht, dass ich jemals etwas gesehen habe, das das Neue und das Alte so gut miteinander verbindet. Vielleicht ist das der Grund für die Mundpropaganda.

MC: Die Tatsache, dass das Genre inaktiv war, gibt uns einen kleinen Schub. Es wäre, als ob 30 Jahre lang niemand einen Horrorfilm gemacht hätte und dann jemand einen Horrorfilm gemacht hätte und alle sagen würden: „Oh mein Gott, ich habe vergessen, dass du das kannst. Das Kino ist zurück!“

AVC: Warum haben sie Ihrer Meinung nach aufgehört, Slapstickfilme zu drehen?

MC: Ich weiß nicht, warum, sie haben dieses Genre einfach vergessen. Ich glaube, es ist einfach so, dass Slapstick in einer Arbeitswirtschaft besser funktioniert, in der die Arbeit der Menschen ihren Körper einbezieht. In China ist Slapstick beispielsweise immer noch sehr beliebt, weil es dort einfach mehr Jobs gibt, bei denen man seinen Körper einsetzen muss. Ich glaube, in einer Dienstleistungswirtschaft wird die Alligatorgrube zu einer Art Empfehlung an die Personalabteilung. Aber im Mittleren Westen basiert ein Großteil der Komödie darauf, sich über jemanden lustig zu machen, der etwas falsch gemacht oder eine Leiter falsch benutzt hat. Ich finde das wirklich lustig. Und es kommt nicht gerade in der Schule der verbalen Komödie von UCB oder Groundlings vor.

AVC: Auch in dieser Art von Körperkomik steckt ein gewisses Gefahrenelement. Haben Sie für den Film etwas besonders Gefährliches gemacht oder haben Sie es durch den Einsatz von visuellen Effekten vermieden?

MC: Die Sache mit der Kiste war ziemlich riskant. Ryland ist in der großen Kiste einen Hügel hinuntergefahren. Das war nicht wirklich geplant. Wir haben einfach die Kamera auf ihn gerichtet und geschaut, was er macht. Es gab also einige Sachen, die hart waren. Ich glaube nicht, dass Tom Cruise in diesem Film mitgespielt hätte – also nein, er ist ein schlechtes Beispiel. [laughs]– aber in einem Studiofilm würde man den teuren Schauspieler nicht einfach so mit einer Kiste den Hügel hinunterfahren lassen.

AVC: Beim Ansehen des Films lässt sich schwer sagen, wie viel davon CGI und wie viel praktische Effekte sind, da der Film viele visuelle Effekte enthält und diese so gut miteinander verschmelzen.

MC: Das ist nett von dir. Ich glaube, man versucht einfach, die Aufnahmen vor Ort künstlich aussehen zu lassen, indem man den Schnee wegbläst, und man versucht, die künstlichen Dinge so echt wie möglich aussehen zu lassen, und hoffentlich trifft alles in der Mitte zusammen. Und wenn man die Techniken von Aufnahme zu Aufnahme oft wechselt, profitiert man von dieser Art Taschenspielertrick, bei dem das Publikum einfach anfängt, die Bilder zu akzeptieren. Ich mag es wirklich Der mächtige Joe Youngder Originalfilm. Der verwendet neun verschiedene Arten von visuellen Effekten. Und sie sind für einen modernen Zuschauer alle transparent, aber es wird so schnell zwischen ihnen hin- und hergewechselt, dass man aufgrund der Taschenspielertricks, des Stilwechsels von Einstellung zu Einstellung, immer noch den Eindruck hat, die Welt des Films zu glauben. Das passiert immer noch. Man denkt an Peter Jackson oder Sam Raimi, die sowohl praktische als auch Computergrafik verwenden. Die Leute denken, sie mögen Computergrafik nicht, aber ich finde, eine großartige Computergrafik-Aufnahme ist eine Computergrafik-Aufnahme zwischen zwei praktischen Aufnahmen. Stimmt’s? Dann vergisst man irgendwie, was man sich ansieht. Man akzeptiert einfach die Welt des Films.

AVC: Sie haben den Film geschnitten und alle Effektaufnahmen selbst gemacht, richtig? Wie war dieser Prozess?

MC: Ja. Mein Freund Jerry hat mir bei der Wildwasserjagd geholfen, aber ansonsten habe ich ungefähr 1500 Effektaufnahmen gemacht. Sie wurden über vier Jahre hinweg gemacht. Ja, aber das waren auch 12 Wochen Dreharbeiten und dann die ganze Zeit das Geldsammeln und das Boarding. Und der gesamte Film war vier Jahre lang gleichzeitig in der Spendensammlung und Postproduktion und beim Drehen. Es ist so etwas wie der Höhepunkt meines bisherigen Lebens, besonders weil ich bei unserem ersten Film nicht Regie geführt habe. Monster aus dem Lake Michigan. Das ist also mein Regiedebüt. Es fühlt sich an wie die Krönung von allem, worauf ich hingearbeitet habe. Und deshalb ist es auch lustig, dass manche Leute sagen: „Na, herzlichen Glückwunsch zum Start deiner Karriere.“ Und ich denke mir nur: „Der Start? Jetzt bin ich bereit zu sterben!“ [Laughs]

AVC: Aber Sie planen trotzdem, weitere Filme zu drehen, oder? Wollen Sie größer werden oder wollen Sie im Indie-Bereich bleiben?

MC: Das untersuchen wir gerade. Ist es ein Hybrid? Ist es Indie? Ist es nur ein Hollywood-Film? Was sind die Vorteile? Was sind die Vor- und Nachteile aller Optionen? Das untersuchen wir gerade. Und ich denke, es werden immer lustige, große, kreative Abenteuerfilme sein, die unterhaltsam sind. Aber der Stil wird nicht immer genau so sein. Ich meine, die Leute fragen nach Biber Fortsetzungen, und ich denke, wir haben es einfach erschöpft. Wir haben alles auf dem Feld gelassen.