In „A Violent Nature“ über die richtigen Details des Slasher-Films

Aus dem diesjährigen Sundance Film Festival reißen, In einer gewalttätigen Natur ist einer der mutigsten Horrorfilme des Jahres. Nicht nur, weil er einfallsreich und blutig ist (was er ist), sondern weil er sich der Ruhe, Stille und formalen Experimenten verschrieben hat. Nicht gerade das, was der typische Slasher-Fan von Horrors mörderischstem Subgenre erwartet. Aber indem er die Perspektive einer typischen Teenager-im-Wald-Geschichte in die des jagenden Killers umdreht, zollt Drehbuchautor und Regisseur Chris Nash den Klassikern seinen Respekt und nutzt gleichzeitig seine Expertise, um für sein Filmdebüt etwas völlig Neues zu schaffen. Dem Slasher dabei zu folgen, wie er durch den Wald streift, beschränkt sich nicht nur auf eine effekthascherische Szene oder eine tonangebende Sequenz, die in einem spektakulären Mord gipfelt. Es ist der ganze Film, schleppend, fesselnd und unvermeidlich.

Der Film ist engagiert und selbstbewusst, was ihn beinahe heiter macht. Das bedeutet, dass die übertriebenen Todesfälle umso unterhaltsamer sind, perfekt abgestimmt darauf, Sie gleichzeitig zum Springen, Würgen, Schreien und Lachen zu bringen. Und es ist schon fast ein Wunder, dass er so gut geworden ist. Der Film ging durch umfangreiche Neuaufnahmen nach einem ersten Schnitt fühlten sich einfach nicht richtig an. Ohne das frühere Filmmaterial gesehen zu haben, scheint es der richtige Schritt gewesen zu sein, denn In einer gewalttätigen Natur fühlt sich einfach Rechts.

Nash setzte sich mit Der AV-Club um über Slasher, die Coen-Brüder, Videospiele und die einzigartigen Produktionsprobleme zu sprechen, die zur Entdeckung, Adaption und noch unmenschlicherer Brutalität führten.

Der AV Club: Eines der Dinge, die Sie sagte um In einer gewalttätigen Natur ist, dass Sie versucht haben, abzuzocken Kein Land für alte Männer.

Chris Nash: Das stimmt wirklich, es scheitert jedes Mal.

AVC: Sie haben es in Bezug auf das Fehlen einer Filmmusik gesagt, was ich sehr wirkungsvoll finde, aber man hat auch das Gefühl, dass Anton Chigurh in der DNA dieses Films steckt.

CN: Absolut. Ich habe mit unserem Spezialeffekt-Leiter Steven Kostanski gesprochen und eine der Fragen, die gestellt wurden, war: „Welche waren unsere Lieblings-Slasher?“ Wir haben irgendwie gemerkt, dass Kein Land ist ein Slasher. Es hat so viel Slasher-DNA in sich, nur mit Anton Chigurhs Charakter, seiner ganzen Präsenz. Es [plays into] diese Idee von „gehobenem Horror“ und „Genre“ ist irgendwie ein schlimmes Wort, aber ich hatte das vorher nie zusammengebracht.

AVC: Was mir auffiel, ist, dass Anton Chigurh im Vergleich zu vielen anderen Slashern nur aus Silhouetten besteht. Es ist der Haarschnitt, das ist die einzigartige Waffe. Wenn man einen Film dreht, in dem man die ganze Zeit direkt hinter seinem Slasher steht, scheint die Silhouette sehr wichtig zu sein.

CN: Eines der wichtigsten Dinge, die Sie bei der Charaktererstellung anstreben, ist: „Wie sieht die Silhouette aus?“ Wie beeindruckend ist sie? Wenn Sie es mit jemandem zu tun haben, der eher ein humanoider Slasher als ein Monster ist, ist jedes kleine Detail wichtig. Wie sieht das zerrissene und zerfetzte Halsband aus? Alles, was ein bisschen mehr ins Unheimliche abdriften kann, um dem Publikum ein Gefühl der Unsicherheit zu vermitteln. Und dann ist die Art und Weise, wie sich die Silhouette bewegt, von entscheidender Bedeutung. Anton Chigurhs Bewegungen durch eine Szene sind so unverwechselbar. Johnnys Bewegungen und das, was Ry Barrett der Figur gegeben hat, ziehen Sie wirklich in ihren Bann. Sie geben einem wirklich ein Gefühl der Unsicherheit, obwohl man weiß, was passieren wird.

AVC: Es ist wirklich schwer, Eindruck zu machen, wenn man „das Monster“ des Horrorfilms ist, aber die Schwere, die er rüberbringen kann … man spürt jeden Schritt. Ich weiß, dass Barrett ursprünglich nicht Ihr Johnny war, und als Sie Aufnahmen des alten Johnny und des neuen Johnny zusammensetzten und versuchten, sie austauschbar zu machen, war der Gang anders. Die Stimmung war daneben. Können Sie darüber sprechen, was Ihnen an der letzteren Leistung im Vergleich zur ersteren aufgefallen ist?

CN: Es ist wirklich schwer, die bisherige Leistung zu beurteilen, weil ich sie als so unterschiedliche, individuelle Interpretationen der Figur betrachte. Der erste Darsteller, der Johnny für den Großteil der ersten Hälfte der Hauptaufnahmen spielte – denn wir drehten vier Wochen lang Hauptaufnahmen, also ungefähr 75 oder 80 % des Films, von dem wir bis auf sechs Sekunden praktisch alles wegwarfen – musste aus gesundheitlichen Gründen gehen. Dann hatten wir für die letzten zwei Wochen einen anderen Darsteller. Und da bemerkten wir alle Unterschiede.

Ich betrachte diesen ganzen Abschnitt also als eine Johnny-Darbietung, auch wenn es zwei Schauspieler sind. Jeder brachte sein eigenes Ding mit, hatte seinen eigenen Einstiegspunkt. Der erste Schauspieler, den wir hatten, war definitiv viel sanfter. Fast neugierig auf die Umgebung – fast wie ein neugeborenes Rehkitz, das einfach nur auf Entdeckungsreise ist. Der zweite Schauspieler war viel bedrohlicher, viel grüblerischer. Außerdem viel muskulöser, besonders in den Schultern. Das war ein ruckartiges Hin und Her, zwischen dem man hin und her schneiden musste.

Ry, seine Darstellung ist hyperobjektiv. Ihn interessiert nichts, was in der Szene passiert. Er hat nur einen Job zu erledigen und je schneller er ihn erledigt, desto schneller kann er Feierabend machen. Das allein birgt eine Bedrohung, die vorher nicht da war. In Anlehnung an den Vergleich mit Anton Chigurh ist es diese Objektivität – es gibt keine Argumentation. Das ist schwer, wenn man nur geht und seinen Körper dreht.

AVC: Ich finde es toll, dass es eine Interpretation dieser Figur gab, die wie ein neugeborenes Rehkitz wirkte. Das ist eine ganz andere Facette als die Idee der „Naturgewalt“. Die Unvermeidlichkeit sorgt jedoch für die richtige Atmosphäre, vielleicht mehr als alles, was mehr Persönlichkeit oder Menschlichkeit hatte.

CN: Das ist mir im Vergleich zu unserem ersten Drehblock aufgefallen. Ich war einfach ein bisschen zu nah dran. Das Filmen war einfach ein bisschen zu nah dran. Wir standen ein bisschen zu sehr neben der Figur, anstatt hinter ihr.

AVC: Oh, Sie meinen buchstäblich nah dran.

CN: Buchstäblich nah dran! Aber es hat auch einen psychologischen Trick, sodass wir uns Johnny viel näher fühlen. Als ich das sah, war mir klar, dass das nicht der richtige Weg war. Wir mussten ein paar Dinge tun, um mehr Abstand zu ihm zu gewinnen.

AVC: Sie haben zwischen den Produktionsblöcken auch die Kameraleute gewechselt. Wie hat Ihr Team die schwebende, nicht ganz losgelöste, aber auch nicht ganz auf Schienen verlaufende Kamerafahrt des Films hinbekommen?

CN: Der Kameramann, der letztendlich den Großteil dessen drehte, was jeder sieht, Pierce Derks, war ursprünglich Teil der zweiten Einheit und [behind-the-scenes] Kameramann in unserem ersten Block. Als er Andrew Appelle ablöste, der aufgrund anderer Verpflichtungen nicht zurückkehren konnte, war das eine weitere Lektion, die wir aus der gesamten ersten Erfahrung gelernt haben. Wir hatten eine völlig andere Kameraausrüstung, die viel mehr Platz einnahm, und das verursachte Probleme, selbst wenn wir nur durch den Wald gingen. Wir folgen unserem Charakter, aber wir sind fast 1,50 m breit und 2,40 m hoch. Wir müssen buchstäblich Pfade ausheben, damit wir nicht von Stöcken getroffen werden, während wir versuchen, ihm zu folgen.

Pierce fand eine Art Steadicam/Glidecam-Hybrid, den er aus verschiedenen Teilen zusammenschusterte, und er baute bis zum Schluss immer wieder neue Teile daran. Das System war viel leichter und für eine einzelne Person viel einfacher zu handhaben. Es nahm auch viel weniger Platz ein, sodass er Johnny folgen konnte und nicht zu viel Gewicht auf ihm lastete. Wir mussten keine riesigen Spuren ziehen. Wir konnten Vordergrundelemente und Stäbe fast gegen die Kamera schlagen lassen. Es hat definitiv das gesamte Gefühl des Films verändert, dass wir alles abreißen und kleiner machen konnten.

AVC: Es wäre wirklich offensichtlich, dass dieser Typ durch einen Ort ging, der für etwas gerodet wurde, das nicht ganz seiner Größe entsprach. Im Film sind Sie zwischen Bäumen eingequetscht. Sie fühlen sich verloren. Können Sie darüber sprechen, was Sie aus den Wäldern in Nord-Ontario herausholen wollten?

CN: Da ist der Nostalgiefaktor. Ich bin dort aufgewachsen und hatte eine Vorstellung davon, wie es sein sollte. Aber weil es mit der ganzen Holzfällerausrüstung zur Mythologie der Figur passt, mussten wir diese riesigen Wälder sehen, um das Ganze einzubinden. In unserem ursprünglichen Drehblock drehten wir nicht in Nord-Ontario. Es war viel näher an Toronto, wo ein Großteil der Crew stationiert war. Aber wenn man durch Eichen und Zedern fährt, hat das seine eigene Ästhetik. Sie strahlen etwas völlig anderes aus als riesige Kiefern und immergrüne Bäume. Es schien sehr trivial, wurde aber unglaublich wichtig. Die Wälder mussten perfekt sein.

Zu Beginn schien es, als wäre es ganz einfach, diesen Film zu machen. [Laughs.] Wir folgen einfach jemandem durch den Wald. Dann wird einem klar, dass nichts davon einfach ist, dass es all diese technischen Probleme gibt, nur um diese Aufnahme zu machen, während man durch den Wald geht. Und dann wird einem klar, dass der Wald selbst wichtig ist, dass die Bäume, auf die man zeigt, so wichtig sind, wenn sie die anderen Charaktere im Film sind.

AVC: Das kam wahrscheinlich oft vor, wenn Sie zurückgehen und sagen: „Das ist mein Baby, das ist mein Debüt. Möchte ich wirklich Kompromisse eingehen oder soll ich alles riskieren, nur weil ich es mir so vorgestellt habe?“

CN: Es gibt das Sprichwort, dass das Perfekte der Feind des Guten ist. Das ging mir die ganze Zeit durch den Kopf. Ist es das wert, dafür zu kämpfen? Ist das ein Problem, das angegangen werden muss, oder mäkele ich nur an allem herum? Das ist schwer herauszufinden, und ich denke, es wird eines dieser Dinge sein, die man für immer nur schwer analysieren kann.

AVC: Letzte Frage. Ich habe über Ihre Einflüsse gelesen, von Terrence Malick bis Gus Van Sant, aber ich musste fragen: Sind Sie überhaupt ein Videospiel-Mensch?

CN: Nein! Ich bin ein Fan von Videospielen. Ich war genau im falschen Alter, als das Super Nintendo auf das Nintendo 64 umstieg. Ich war kein früher N64-Anwender. Die Joystick-Steuerung war zu viel. Und plötzlich sitzen wir in Autos mit Handschaltung statt in solchen mit Automatikgetriebe. Ich dachte: „Warum machen wir das?“

AVC: Als der Film von der Schulter- zur Draufsicht wechselte, dachte ich: „Das ist ein Gamer.“ Aber ich schätze, Sie hatten einfach die Vision.

CN: Nun, ich meine, ich schaue sie mir an. Ich schaue mir viele Let's Plays an. Ich kenne mich also aus, aber ich bin der Junge auf der Bank, während alle anderen Baseball spielen. [Laughs.] Es war alles mein Smash-TV Erfahrung beim Spielen.