Ein Interview mit Keane-Direktor Lodge Kerrigan

1994 gewann Lodge Kerrigan für seinen Debütfilm den Someone To Watch Award der Independent Spirit Awards Sauber, rasiertmit Peter Greene (Pulp Fiction, Die üblichen Verdächtigen) als Schizophrener, der versucht, das Sorgerecht für seine Tochter zurückzugewinnen. Zehn Jahre später erschien Kerrigans dritter Film, Keaneerforschte ähnliche Themen und folgte der Titelfigur – gespielt mit ruheloser Anziehungskraft von Damian Lewis (Band der Brüder, Die Heimat) – während er gleichzeitig mit der Entführung seiner Tochter und seiner eigenen unspezifischen Geisteskrankheit ringt. Während Kerrigan sich in seinen Filmen immer wieder mit der psychischen Gesundheit beschäftigt, tut er dies mit einer poetischen Subjektivität, die das Innenleben seiner Protagonisten einfängt und das Einfühlungsvermögen des Publikums fördert, ohne ihm ein Urteil aufzuzwingen.

Wenn die Rechte an Keane, in dem auch Amy Ryan und Abigail Breslin an den Start gehen, Kerrigan und der ausführende Produzent Steven Soderbergh kürzlich wieder auf Kerrigan zurückgreifen, beschloss Kerrigan, dem Publikum einen neuen Blick auf das außergewöhnliche Projekt zu ermöglichen. Außerdem hat er den Film akribisch neu gemastert, damit seine langen Einstellungen und Live-Umgebungen heller und schöner als je zuvor wirken. Nach der Premiere am 19. August in New York folgt am 28. August ein weiterer Termin in Los Angeles. Kerrigan sprach mit Der AV-Club über die Vorbereitung Keane für diese neue Präsentation und dachte über die Themen des Films und seine sich entwickelnde Karriere als unabhängiger – und selbst beschriebener „Amateur“-Filmemacher nach.

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The AV Club: Was scheint Sie an der Erforschung psychischer Erkrankungen zu faszinieren?

Lodge Kerrigan: Das ist eine sehr gute Frage. Ich denke durch Sauber, rasiert Und KeaneIch frage mich nur, ob wir als Gesellschaft mehr Einfühlungsvermögen für Menschen haben könnten, die offensichtlich mit den enormen wirtschaftlichen Folgen und Folgen ernsthafter psychischer Probleme und Herausforderungen zu kämpfen haben und mit ihnen zu kämpfen haben. Eigentlich ist es so einfach.

AVC: Bevor Sie sich entwickelt haben KeaneSie haben an einem Projekt mit Maggie Gyllenhaal und Peter Sarsgaard namens gearbeitet In Gottes Händen, ein Film, den Sie im Wesentlichen verloren haben. Warum haben Sie sich entschieden, weiterzumachen? Keane anstatt zu versuchen, es neu zu machen oder zu rekonstruieren In Gottes Händen?

LK: Es fällt mir wirklich etwas schwer, darüber zu reden. Ja, wir haben den Film durch negative Schäden verloren. Es ging um das Thema Kindesentführung, das ähnlich ist [to Keane], aber in den meisten anderen Aspekten war es ganz anders. Steven Soderbergh war ausführender Produzent dieses Films und sagte: „Keine Sorge, wir machen weiter“ – und er blieb seinem Wort wirklich treu. Mich interessierte immer noch das Thema eines Ereignisses, das Ihr Leben unwiderruflich, augenblicklich oder innerhalb kürzester Zeit verändern könnte. Deshalb behielt ich das Thema Kindesentführung bei. Aber der gesamte Film ist einfach völlig anders. Inbesondere in In Gottes Händenes ist ganz klar, dass ein Kind entführt wurde, während in KeaneIch halte diese Informationen zurück und es liegt an einem Publikum, viele Fragen wirklich zu beantworten. [But] Als Filmemacher für mich selbst hätte ich einfach kein Interesse daran, einen Film neu zu machen, den ich bereits gemacht habe.

AVC: Die Intensität der Kameraarbeit in Keane zieht den Betrachter wirklich in seine Perspektive. Können Sie etwas über diese kreative Entscheidung und die damit verbundene Logistik sagen?

LK: Aus kreativer Sicht war es ganz klar und einfach: Ich wollte ein Publikum einfach in seine emotionale und psychologische Welt hineinziehen, und ich dachte, dass es durch die Einschränkung der Außensicht – es ist nicht seine Sichtweise, es ist nicht subjektiv – schon so ist so nah, wie es nur geht. Dieser Film hat meine gesamte Herangehensweise an die Regie und auch an das Drehbuch wirklich verändert, da ich einen Großteil davon vor Ort geschrieben habe. Ich wusste, dass ich es in New York schaffen wollte, also schrieb ich es in Port Authority … auf den Straßen rund um Port Authority, auf dem Weg zum Lincoln Tunnel, auf der anderen Seite in Bergen County, New Jersey, auf dem Weg zu diesen Motels und habe es dort geschrieben, weil ich eine bestimmte Energie einfangen wollte. Und dann habe ich während der Probenzeit einfach alle Schauspieler, Amy Ryan und Abigail Breslin, durch die Drehorte selbst geführt, damit sie die Welten sehen konnten, in denen ihre Charaktere lebten und lebten.

Dann habe ich John Foster eingeladen [director of photography] zur Probezeit kommen. Wir sind vor Ort, der Film wird gedreht, eine Einstellung pro Szene. Meistens erfolgt die Bearbeitung in der Kamera, aber es gibt auch nur Jump Cuts, was eine sehr risikoreiche Aufnahmemethode darstellt. Ich hatte das Gefühl, dass es den Schauspielern viel Raum geben würde, ihre Charaktere innerhalb einer Szene wirklich zum Ausdruck zu bringen – aber das führte zu bestimmten technischen Problemen. Als es also an die eigentlichen Dreharbeiten ging, waren wirklich alle Diskussionen geführt. [That preparation] ermöglichte es uns, uns auf die Darbietungen zu konzentrieren, den Schnitt in der Kamera zeitlich richtig einzustellen und die Szenen auf interessante Weise weiterzuentwickeln. Deshalb habe ich wirklich versucht, die Aufführungen zu leiten, bin aber größtenteils aus dem Weg gegangen und habe einfach versucht, so viel wie möglich umzusetzen. In Verbindung mit den Dreharbeiten in Live-Umgebungen war es wirklich elektrisierend – und es hat wirklich funktioniert.

AVC: Hatten Sie eine klare Antwort auf Williams Diagnose, auch wenn sie im letzten Film nur vage oder unspezifisch ausfallen würde?

LK: Wir wissen, dass sein Charakter eine Behinderung hat. Wir haben darüber gesprochen, dass er vielleicht manchmal unter großem Stress Dinge hört oder denkt, dass er Dinge hört. Er befindet sich in einem Zustand erhöhter Angst, Verzweiflung, Schlafmangel, er nimmt Selbstmedikamente und zeigt selbstzerstörerisches Verhalten. All das haben wir wirklich auf spezifische Weise besprochen, im Gegensatz zu seiner tatsächlichen, spezifischen Diagnose.

Aber hinsichtlich der Frage, ob er eine Tochter hatte oder nicht, waren wir sehr konkret. Weil es unmöglich ist, Regie zu führen oder eine Szene aufzuführen, ohne in die eine oder andere Weise zu glauben oder zu wissen. Also glaubten Damian und ich, dass er eine Tochter hatte, die entführt wurde. Aber was ich beim Schreiben getan habe, war, es durch sein Verhalten und nicht durch Dialoge auszudrücken. Wenn man sich anschaut, wie er mit Kira interagiert, bekommt man ein wirklich klares Gefühl dafür, dass er ein Elternteil ist – nur die Geduld, die er dem Kind gegenüber stets aufbringt, nicht, dass alle Eltern geduldig sind [laughs].

AVC: In Keane Du diskreditierst deine Hauptfigur zu Beginn völlig, und dann baust du sie im Laufe des Films wieder auf und reißt sie wieder ab. Wie schwierig war es herauszufinden, wie weit man die von Keane eingegangenen Risiken treiben und trotzdem einfühlsam sein könnte?

LK: Ich war daran interessiert, jemanden kennenzulernen, auf den das Publikum antworten sollte [that question] für sich selbst. Wenn Ihre Tochter entführt würde, wie würden Sie mit diesem Ausmaß an Trauer und Verlust umgehen? Konnten Sie sich jemals davon erholen? Das war wirklich interessant für mich. Es wird nicht jemand dargestellt, der entweder sympathisch oder unsympathisch ist, oder ob jemand gut oder schlecht ist. Um ganz ehrlich zu sein, ist mir das auf die eine oder andere Weise egal. Ich habe nicht da gesessen und dabei zugesehen, ich möchte, dass das Publikum das tut. Daher stelle ich mir vor, dass es zunächst beunruhigend ist, weil man nicht weiß, ob diese Person die Wahrheit sagt oder nicht.

Um zu sehen, dass er mit etwas zu kämpfen hat, trifft er einige sehr egoistische Entscheidungen. Und er liebte auch seine Tochter. Er ist also ein Mensch. Er besitzt all diese Eigenschaften, von denen einige abstoßend und andere wirklich bewundernswert sind – und das ist es, was es ausmacht, ein Mensch zu sein. Deshalb interessierte mich mehr die Trauer. Er liebt seine Tochter – wie soll er damit umgehen? Und so habe ich diese Struktur einer Theorie wiederkehrender Albträume entnommen. Wenn Sie also einen wiederkehrenden Albtraum haben, versuchen Sie im Wesentlichen, ein traumatisches Ereignis in Ihrem Leben zu ändern. Er glaubt, dass seine Tochter entführt wurde. Und was er tut, ist, eine weitere Entführung, eine potenzielle Entführung, nachzubilden, als er Kira zum Busbahnhof bringt, um das Ergebnis zu ändern. [And] Dieser psychologische Prozess fand ich wirklich faszinierend und gleichzeitig sehr menschlich.

AVC: Sie sind zu einem ganz besonderen Zeitpunkt im Independent-Kino aufgetaucht. Ich bin mir sicher, dass es großartig ist, einen Verfechter wie Steven Soderbergh zu haben, der eine gewisse Vorliebe dafür zu haben scheint, Kunst um ihrer selbst willen zu machen. Aber haben Sie das Gefühl, dass die kreative Reise Ihrer Karriere und die Themen, mit denen Sie sich befasst haben, Ihren Erwartungen entsprachen?

LK: Es ist eine sehr komplizierte Frage [laughs]. Ganz nebenbei: Ja, es ist ein gewisses Privileg, Regie führen und Filme machen zu dürfen, deshalb möchte ich nur anerkennen, dass ich großes Glück hatte, die Karriere zu haben, die ich hatte. [But] Während Sie verschiedene Phasen Ihres Lebens durchlaufen, gibt es unterschiedliche oder sich ändernde Prioritäten. Wie oft kann man im Leben einen No-Budget-Film nach dem anderen produzieren?

Sie könnten. Es gibt Leute, die das tun. Die Technologie hat es ermöglicht, Filme unglaublich kostengünstig zu produzieren. Steven hat Funktionen auf einem iPhone erstellt. Man kann also leicht sagen: „Die Branche ist das Problem.“ Aber ich kann das nicht ganz akzeptieren. Ich denke, es ist viel komplizierter. Das letzte Feature, das ich gemacht habe, war Rebecca H. (Return To The Dogs), das ich in Paris gedreht habe. Die Premiere fand in Cannes statt – und dann war es soweit. Und dann wandte ich mich dem Fernsehen zu und fand das Fernsehen auf eine andere Art wirklich lohnend, in dem Sinne, dass ich es mit einem Regisseur im Studiosystem der 50er Jahre vergleiche, wo man unter Vertrag steht und man einem einfach ein Projekt gibt und du musst es dirigieren. Es ist nicht unbedingt mein Geschmack, aber es sind fantastische Projekte, und ich lerne als Regisseur viel, sodass ich vielseitiger werde. Ich fand das unglaublich lohnend.

Mein Wunsch jetzt ist, dass ich im Allgemeinen nicht gerne über die Zukunft spreche, aber mein Wunsch ist es jetzt, zu kleinen Autorenfilmen zurückzukehren, und solchen, die wahrscheinlich Schwierigkeiten haben werden, in den Vertrieb zu kommen und gesehen zu werden. Aber ich glaube, da liegt mir wirklich das Herz. Und das sage ich im besten, ursprünglichen Sinne des Wortes „Amateur“, aus Liebe – in meinem Herzen bin ich ein Amateurfilmer. Ich mache es nicht für die Branche oder für den kommerziellen Erfolg. Ich interessiere mich für den Prozess des Filmemachens. Nicht beim Vorführen von Filmen – ich genieße es, vor Publikum zu zeigen, aber das ist nicht mein Ziel. Der Entstehungsprozess macht mir wirklich viel Spaß. Ich denke also, ja, wir leben in einer Welt, in der die Kluft zwischen kommerziellem Kino und Kunst sehr ausgeprägt ist. Und viele Filmemacher versuchen, in dieser Grauzone zwischen beiden zu agieren, in der sie finanzielle Mittel erhalten und sich für ihre eigene Arbeit entfalten können. Aber es ist relativ einfach, rauszugehen und einen Film zu machen, wenn man mit dem Herzen dabei ist und das ist, was man tun möchte. Die Werkzeuge sind vorhanden, es ist sehr billig – deshalb versuche ich, das nicht als Ausrede zu nutzen, keine Filme zu machen.

AVC: Das Remastered Keane sieht großartig aus. Als jemand, der den Verlust eines wertvollen kreativen Unterfangens vielleicht schmerzlicher als die meisten Filmemacher erlebt hat In Gottes Händenwelche Chance bietet Ihnen diese Neuveröffentlichung?

LK: Nun, Magnolia hat den Film abgeholt, nachdem wir ihn 2004 in Toronto gezeigt hatten, aber die Rechte gingen zurück, und Steven und ich telefonierten und er sagte: „Willst du ihn remastern?“ Und ich warf einen Blick darauf und dachte: „Wow, ich würde das gerne remastern – es ist so magentafarben.“ [laughs].“ Das Fotografieren in all diesen gemischten Licht- und Live-Umgebungen war aus Sicht der Farbkorrektur eine große Herausforderung. Also ging ich hinein und remasterte es. Was erhoffe ich mir davon? Ich meine das nicht böse, aber ich bin mir nicht sicher, ob ich Hoffnung darauf habe. Ich würde es lieben, wenn die Leute es sehen, aber das liegt an ihnen [laughs]. Sobald ich es geschafft habe [a film]es gehört mir nicht mehr wirklich – als ob ich immer noch eine emotionale Verbindung dazu habe, aber eher als Zuschauer.

Aber der Remastering-Teil davon, was Sie jetzt mit Farbe machen können [and] Das Licht des Films zu gestalten, da alles in einer Live-Umgebung gedreht wurde und man ständig gemischte Farbquellen zur Verfügung hat, nur um das auszugleichen, war es einfach wunderbar. Und ich finde, es sieht absolut wunderschön aus. Als ich mir das Remastering angesehen habe, war ich wirklich beeindruckt, wie anziehend Damian ist und wie unglaublich seine Leistung ist. Er trägt diesen Film und zeigt auch, wie großartig Abigail Breslin und Amy Ryan waren. Und ich war auch beeindruckt von der Tatsache, dass es immer noch sehr relevant zu sein scheint. Selbst wenn ich es mir heute ansehe, würde ich denken: Wow, das könnte heute passieren.

Der dritte Punkt ist, wie hoch das Risiko war! Als ich jünger war, war mir vielleicht nicht ganz klar, wie hoch das Risiko war, das ich einging, wenn ich daran dachte, dass ich in Live-Umgebungen fotografiere und eine Aufnahme pro Szene mache. Es gibt eine Szene in Port Authority, die vier dauert Minuten, wenn es also weitere 10 Sekunden gedauert hätte, wäre uns der Film ausgegangen. Man könnte eine Aufnahme, eine Szene dreieinhalb Minuten lang drehen und im Hintergrund steigt jemand aus einem Bus und zeigt auf die Kamera, dann hat man keine Abdeckung, man hat nichts – man fängt bei Null an. Als ich überlegte, wie ich den Film drehen wollte, sagten einige Freunde und Kollegen: „Vielleicht sollten Sie darüber nachdenken, als Ersatz eine herkömmliche Berichterstattung in Anspruch zu nehmen.“ Aber es war die Energie wert und den Schauspielern den Raum zu geben, damit sie die Szene am Stück spielen konnten, ohne sie zu unterbrechen. Und wie aufregend es war. Und ich bin einfach aus dem Weg gegangen und habe einfach versucht, es so schnell wie möglich einzufangen.