Komm schon, Regisseur Mike Mills

Es ist nicht ungewöhnlich, dass im Werk von Mike Mills Raum und Zeit in einem einzigen Bild verschmelzen. Der Autor und Regisseur von Anfänger Und Frauen des 20. Jahrhunderts (Letzteres brachte ihm eine Oscar-Nominierung ein) hat ein Händchen dafür, die komplette Geschichte eines Objekts in einer einzigen Nahaufnahme zu extrapolieren. Seine Kamera verwandelt alles in ein Artefakt.

Mills‘ neuester Film, C’mon C’monist ein Onkel-Drama über die Dynamik zwischen Kindern und den Erwachsenen, die versuchen, sie zu verstehen. Joaquin Phoenix spielt Johnny, einen Radiojournalisten, dessen aktuelles Projekt ins Wanken gerät, als seine entfremdete Schwester Viv (Gabby Hoffman) ihn bittet, sich um ihren 9-jährigen Sohn Jesse (Woody Norman) zu kümmern, während sie sich geistig um sie kümmert Der instabile Ehemann (Scoot McNairy) befindet sich mitten in einem Zusammenbruch. Johnny nimmt Jesse mit auf eine Tour durch mehrere Städte, wo er entdeckt, dass Kinder – anders als singende elektrische Zahnbürsten – keinen Ausschalter haben.

Es ist ein ruhiger, bescheidener Film, der eine außergewöhnliche Wirkung entfaltet, wenn die wundersame Banalität des Lebens seine Charaktere einholt. Der AV-Club sprach mit Mills telefonisch über seine Liebe zu Gordon Willis, die Schaffung von Innenräumen, die mehr als nur cool aussehen, und darüber, wie man einen Moshpit richtig filmt.

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AVC: „Deformer“, einer Ihrer frühesten Filme, hat dokumentarischen Charakter. Darin ist der professionelle Skateboarder und Künstler Ed Templeton zu sehen. Wussten Sie, dass er aufwuchs? Weil du aus Santa Barbara kommst, oder?

MM: Als ich aufwuchs, kannte ich ihn nicht. Ich kannte ihn aus der Alleged Gallery, der New Yorker Szene. Die Skater-Art-Szene. Ich fand seinen Kampf mit der Normalität so interessant und dass er in Huntington Beach lebte. Ich weiß nicht, ob Sie wissen, wie es dort ist, aber es ist verrückt normativ und irgendwie verrückt.

Super kreativer Mensch. Und wieder lernte er, indem er zu Barnes & Noble ging und ein Egon-Schiele-Buch fand und seinen Weg ganz selbst herausfand und es wirklich alleine schaffte. Ich liebe das alles so sehr.

Davor habe ich noch einen weiteren Kurzfilm gemacht. Aber [“Deformer”] war sozusagen mein erster Film. Wie Mein Film. Und es ist schön, dass du das ansprichst, denn mir gefällt das Stück wirklich sehr. Es ist wie ein Dokumentarfilm, aber es ist auch irgendwie lyrisch. Ist das etwa ein Film? Ich weiß nicht. Es handelt sich nicht um einen narrativen Film, aber es ist überhaupt kein einfacher Dokumentarfilm. Und all seine Bedenken ähneln jetzt irgendwie meinen. Es ist lustig. Ich habe schon lange nicht mehr an diesen Film gedacht.

AVC: Könnten Sie, nachdem Sie die Wohnung angesprochen haben, über die Fluraufnahmen sprechen, insbesondere zu Beginn mit den Spiegeln, als Viv und Johnny sich streiten und einer von ihnen im Spiegel steht? Waren Sie fest entschlossen, diese zu bekommen, oder war es rein praktischer Natur?

MM: Ich war in diesem Haus, dieser ganzen seltsamen Anordnung, ich und [cinematographer Robbie Ryan]. Und ich und Robbie lieben es Ozu und Bilder in Bildern, rechts? Auch gerne [cinematographer] Gordon Willis: Sternenstaub-Erinnerungenvielleicht ein bisschen ManhattanUnd Alle Männer des Präsidenten. Wir haben oft so gespielt. Während meiner gesamten Karriere bin ich nur den Sachen von Gordon Willis hinterhergejagt. Ich reagiere so sehr auf seine Arbeit.

Aber das war eine schöne Entdeckung. Ich liebe das an realen Orten. Wenn man sie nur irgendwie wahrnimmt, denkt man: „Oh, diese Tür führt nirgendwo hin, aber was auch immer, der Ort hat etwas Besonderes.“ Und man fühlt sich irgendwie hinein. Diese Architektur hat etwas so Unbeholfenes, oder sie hat etwas so Gespaltenes. Man kann anfangen, expressionistische Gefühle gegenüber einem Ort zu entwickeln, besonders in Schwarzweiß, denn Schwarzweiß entspricht nicht der Realität, oder? Es ist um Wirklichkeit. Alles ist also wie eine Zeichnung oder ein Gemälde. Alles wird symbolisch, wie in New Orleans mit diesen großen Eichen, die sich darüber wölben. Ist das die Depression meines Vaters? Ist das die Unkontrollierbarkeit des Lebens? Alles scheint eine symbolische Bedeutung zu bekommen.

AVC: Die Aufnahmen der Städte, insbesondere die Eröffnungsaufnahme von New York, wirken fast so, als ob man ohne die Farbe mehr Details sehen könnte.

MM: Schwarz-Weiß liebt einen Wald oder eine wirklich geschäftige Stadt. Das haben wir im Laufe der Zeit gelernt. Es mag viel Dichte und Details. Ich bin nicht schlau genug, um genau zu wissen, warum, aber für mich sieht es wirklich gut aus. Für andere Menschen ist das vielleicht nicht der Fall.

Wir haben in New York City viel mit langen Objektiven gearbeitet. Nur die Dichte. Es war wirklich schön, Drohnenaufnahmen in Schwarzweiß zu machen, weil da etwas nicht stimmt. Die falsche Technologie für diesen Zeitraum.

AVC: Deine anderen Filme sind so farbenfroh, so lebendig. Wie kam es zu Ihrer ersten Entscheidung, in Schwarzweiß zu fotografieren? Es fühlt sich für Sie danach fast wie ein Reset an Frauen des 20. Jahrhunderts.

MM: Darüber habe ich nicht wirklich nachgedacht. Ich liebe Schwarz-Weiß-Filme. Viele meiner Lieblingsfilme sind in Schwarzweiß. Ich würde wahrscheinlich jeden meiner Filme gerne in Schwarzweiß machen. In diesem Fall hatte ich wirklich einen guten Grund, nämlich, dass es einen Teil der Geschichte gibt, der einer Fabel ähnelt, und das ist der Teil des Kindes und des Mannes. Für mich ist das wie ein uraltes archetypisches Bild. Das habe ich am Anfang gesehen: Sie gingen Händchen haltend die Straße in New York City entlang. Für mich ist das wie eine sehr alte Fabelgeschichte. Und weil Schwarz-Weiß nicht die Realität ist, ist es eine um Obwohl es sich nicht um die Realität handelte, unterstützte es die märchenhafte Qualität des Films, indem es weniger real war.

Gleichzeitig habe ich sehr, sehr reale Dinge, wie diese Aufnahmen in New York City. Wir kontrollieren die Massen nicht, also sind die Massen so [Makes explosion sound.], Rechts? Wir fotografieren mit langen Objektiven, und niemand weiß, dass wir fotografieren, und Joaquin läuft wirklich mit einer Menge Leuten herum. Das ist ein wirklich interessanter, elektrischer Kontrast zu dieser Fabelsache.

AVC: Das Zahnbürstenlied ist sehr real. War das eine Originalkomposition?

MM: Mein Kind hatte diese Zahnbürste und diese Zahnbürste verfolgte uns jahrelang. Ich kenne dieses Lied in- und auswendig. Das ist zum Teil der Grund, warum ich wirklich gerne arbeite: vom beobachteten Leben und solchen ganz kleinen Dingen. Ich finde es toll, dass es diese dumme, irgendwie niedliche Sache in dieser Szene ist, die irgendwie furchteinflößend ist. Du verlierst dein Kind.

AVC: Es ist so interessant, dass das im Film zweimal passiert. Dass er das Kind verliert, weil das einfach passieren wird –

MM: [Laughs.] Ja, es passiert immer wieder. Mein Kind hat das immer gemacht. Und versteckt sich gerne an öffentlichen Orten. Manchmal ist das sehr beängstigend. Wenn ich diesen Film zeige oder wenn wir ihn schneiden, war das oft die größte Nachricht, die wir bekamen. „Warum zweimal? Das kann man in einer Geschichte nicht machen.“ Und ich sagte: „Tja, es tut mir leid, wenn es mir nicht gelungen ist, es für Sie interessant zu machen, oder wenn es langweilig oder überflüssig geworden ist.“ Und ich denke, viele Leute finden es irgendwie überflüssig.

Aber scheiße, es hätte so passieren sollen vier mal. Es hätte viel passieren sollen, denn so ist es wirklich. Und es eskaliert, das ist also eine Art Filmstruktur.

AVC: Die Mosh-Pit-Szene in Frauen des 20. Jahrhunderts erreicht etwas sehr Schwieriges. Warum sind Punkshows und Moshpits so schwer vor der Kamera festzuhalten?

MM: Mein Kind [actor Lucas Jade Zumann] ist da drin. Das sind ein paar echte Hardcore-Kids, also moshen sie. Sie verletzen sich gegenseitig. Zum Glück war Lucas bereit dafür. Er meinte: Bring mich da rein. Wir haben es nur für einen ausreichend kurzen Zeitraum gemacht, in dem niemand verletzt wurde, aber diese Leute haben sich gegenseitig umgeworfen und geschlagen, und das war der Auslöser dafür. Und wir haben die Germs unglaublich laut gespielt, und es hat Spaß gemacht.

AVC: Viele Leute versuchen einzufangen, wie es aussieht, statt wie es ist fühlt sich Ich bin gerne in einem davon.

MM: Wahrhaftigkeit und Energie sind wie Charisma. Es ist so schwer, es richtig zu gestalten und zu filmen, dass man das Gefühl hat, es zu kommunizieren. Und ich habe das Gefühl, vielleicht Du Kenne diese Welt ein wenig, weil du sie fühlen kannst. Das ist ein wirklich großes Kompliment. Ich weiß, von welcher Aufnahme du sprichst. Ich liebe diese Aufnahme auch. Das ist vielleicht mein Lieblingsbereich beim Regieführen, wenn man wie ein Scharfschütze ist. Wenn Sie sagen: „Ich habe dieses kleine Ding, aber es ist schwer zu bekommen.“ Die Leute begreifen nicht ganz, wie real das sein muss, also müssen wir es tun Ficken Tue es.

Die Lautstärke, mit der wir die Musik spielten, spielte eine große Rolle, da sich direkt vor Ort ein komplettes PA-System befand. Es ist unglaublich laut. Das ist eine transformative Erfahrung.

Der ganze Punk-Sachen in diesem Film war hart. Außerdem war das Skaten wirklich schwierig. Wir mussten alle Skater dazu bringen, Skateboard von 1979 zu fahren und Tricks von 1979 zu machen. Wir mussten ihnen ein ganzes visuelles Vokabular geben. Und diese Boards sind so unterschiedlich: Es gibt keine Nase, man kann Ollies nicht wirklich auf die gleiche Art und Weise machen, und der Übergang dieser Halfpipe ist sogar ganz anders. Das war also wirklich schwer.

Die DGA, kein Regisseur, wird mir dafür irgendeine Anerkennung zollen [adopts faux-serious tone] Das ist eine meiner besten Arbeiten.

AVC: Es gibt so viel Empathie für Kinder C’mon C’mon. Haben Sie jemals darüber nachgedacht, einen Kinderfilm zu machen?

MM: Ich würde es irgendwie gerne tun. Wissen Sie, was wirklich interessant ist, A24 oder die Filmfestivals haben oft so etwas wie – Telluride hatte das – eine Outreach-Aktion für High-School-Kinder aus unterversorgten Gemeinden. Sie haben einen Filmworkshop und viele Regisseure gehen und reden mit den Highschool-Kindern.

Als ich den Film zum ersten Mal High-School-Kindern zeigte, behandelten sie ihn, als wäre es ein Film für sie, und ich fühlte mich sehr geehrt. Wie cool. Ich rannte zu A24 und sagte: „Leute, die Highschool-Kids denken, es sei so etwas wie ein Highschool-Film.“

Ich könnte ewig Kinder fotografieren, vor allem im Dokumentarformat. Kinder sind im Film wie Gold. Ich denke, weil sie die Kunst, alle ihre Schwachstellen zu maskieren und zu verbergen, nicht perfektioniert haben. Und ich habe das Gefühl, dass ich es hier nicht ganz geschafft habe. Es gibt noch mehr zu entdecken. Nur die Politik der Kindheit. Die Macht, die gesellschaftliche Bedeutung, die kulturelle Bedeutung von Spielzeug, Spielen, Schule oder Essen als Kind. Das ist wie Game of Thrones, im Hinblick auf unsere politischen, kulturellen Machtfragen. Sie sind dort alle superlebendig.