„Anselm“-Rezension: Ein Künstler betrachtet den Kosmos in 3D

In einer Zeit, in der Virtual-Reality-Headsets zwar nicht alltäglich, aber zumindest für Technikfreaks und Gamer zugänglich sind, fühlt sich das Ansehen eines 3D-Films ein wenig urig an. In seiner Glanzzeit war 3-D ein Spaß. Du hast dich selbst ausgelacht, weil du dich plötzlich geduckt hast, beispielsweise vor einer Schlange, die zischend aus dem Bildschirm kam. In jüngerer Zeit haben sich Filmemacher der 3D-Technik zugewandt, um das Kinoerlebnis zu verbessern: Martin Scorseses „HugoAlfonso Cuaróns „Schwere.“ Bei Filmen wie diesen blickt man in eine Welt innerhalb der Leinwand, anstatt von ihr berührt zu werden.

Meistens war 3D – oft hinzugefügt, nachdem der Film im normalen alten 2D gedreht wurde – eine Möglichkeit, eine teurere Kinokarte zu verkaufen. Doch gelegentlich fügt eine Dimension hinzu (sozusagen) zu einem Film, der seine Möglichkeiten erweitert und seine Erkundungen verstärkt.

Der erste große zeitgenössische 3D-Film, den ich je gesehen habe, war „Pina„, Wim Wenders‘ Hommage an den deutschen Choreografen aus dem Jahr 2011 Pina Bausch, mit ihrer Kompanie, dem Tanztheater Wuppertal, als Besetzung. „Pina“ ist weniger ein biografischer Dokumentarfilm als vielmehr eine Stimmungsmache und nutzte 3D, um dem Zuschauer das Gefühl zu geben, in der ersten Reihe zu sitzen und einige von Bauschs berühmtesten Werken zu sehen, die in ungewöhnlichen architektonischen und natürlichen Räumen aufgeführt werden. Ich habe einige der gleichen Werke auf der Bühne gesehen, aber manchmal vergesse ich, dass ich bei den Tänzen im Film technisch gesehen nicht dabei war, weil mein Gehirn genauso reagierte wie bei einer Live-Aufführung im Publikum.

Wenders muss es gefallen haben, „Pina“ zu machen, denn er findet mit seiner neuesten 3-D-Künstlerdokumentation „Anselm“ ein natürliches Register. Er ist nicht der Erste, der einen Film über den deutschen Künstler dreht Anselm Kiefer, der den Filmemachern, die ihre Kameras auf ihn richten, einen poetischen Impuls verleiht. In ihrem Dokumentarfilm von 2011 „Über Ihren Städten werden Gräser wachsen„Sophie Fiennes schuf ein gleitendes, beobachtendes Porträt des Künstlers bei der Arbeit in La Ribaute, seinem Atelier-Anwesen in Südfrankreich. Die ersten etwa 20 Minuten dieses Films bestehen aus flüssig gedrehtem Filmmaterial, das durch die vielen Tunnel und Hallen auf dem Gelände fließt. Es ist ein bisschen so, als würde man einem Tanz zuschauen, mit Kiefer als Hauptdarsteller in einem Duett mit seinem Werk.

Im Gegensatz dazu gibt es in „Anselm“ etwas mehr von Kiefers Geschichte und Gedanken. Wer wenig über sein Werk weiß, wird genug finden, um sich ein Verständnis für seine Bedeutung in der Kunstwelt und darüber hinaus zu verschaffen. Es gibt Archivvideos, hauptsächlich Nachrichtenmaterial von vor Jahrzehnten, die auf Vintage-Fernsehgeräten abgespielt werden. Es gibt eine Art Puppenspiel, das aus Kiefers frühesten Familienfotos besteht, die in aufwändig geschichteten Bühnenbildern aufgeführt sind, und es gibt Nachstellungen des jungen Anselm (gespielt von Anton Wenders, dem Großneffen des Regisseurs), während sich seine Fantasie und sein künstlerisches Können entwickeln. Später spielt Kiefers Sohn Daniel seinen Vater als jungen Mann, der karge Landschaften beobachtet, zu malen beginnt und eine visuelle Sprache kreiert, die auf dem Drang basiert, die beunruhigende Geschichte zu betrachten und nicht von ihr abzuweichen.

Diese Szenen sind nicht von Dialogen geprägt – tatsächlich gibt es in „Anselm“ überhaupt nur sehr wenige Dialoge, obwohl halb gehörte Sätze von Stimmen gehaucht geflüstert werden, die die Frauen in seinen Skulpturen „Die Frauen der Antike“ darstellen sollen ) und „Les Femmes Martyres“. Die Nachstellungen sind mit zeitgenössischen Aufnahmen des Künstlers bei der Arbeit in seinem riesigen Atelier verwoben, das so groß ist, dass er sich mit dem Fahrrad fortbewegt.

Während „Anselm“ also einem grob chronologischen Verlauf folgt, vermittelt es das Gefühl, als würde die Zeit in sich zusammenfallen, was gut mit Kiefers Gesamtwerk harmoniert. Der Künstler (geboren 1945, am Ende des Zweiten Weltkriegs) stieß Ende der 1960er Jahre auf Kontroversen, als seine Wiederaneignung von Texten und Mythen, die vom Dritten Reich vereinnahmt wurden, mit Argwohn betrachtet wurde: War er ein Neofaschist? Sympathisch? Was hat er getan?

Als er in Interviewaufnahmen, die in „Anselm“ zu sehen sind, über diese Zeit nachdenkt, sagt er, er habe gesehen, wie seine deutschen Landsleute versuchten, die Gräueltaten der Nazis hinter sich zu lassen, indem sie sich weigerten, über das Geschehene zu sprechen. Für ihn, sagt er, bestehe die Kunst darin, zu versuchen, „das alles wieder ins Gedächtnis zu rufen und daran zu arbeiten“. Kein Wunder, dass er von Martin Heidegger fasziniert und auch frustriert ist über das Schweigen des Philosophen über seine eigene Nazi-Vergangenheit. „Nichts als Schweigen vom großen Philosophen. Nichts über seine Fehler“, sagt er. „Die ganze Gesellschaft schwieg damals; Alle konnten das Unvorstellbare nicht begreifen. Ich selbst habe unter Leuten gelebt, die schon überall waren und nicht darüber reden wollten.“ (In Archivaufnahmen beschreibt eine Stimme, dass Kiefer „unablässig auf der offenen Wunde der deutschen Geschichte herumstochert“.)

Ein Hauptthema von „Anselm“ ist die Besessenheit des Künstlers, das Verdrängte, das Vergessene, das bloß Intellektuelle in physische Form zu überführen. Zu diesem Zweck beobachten wir, wie er daran arbeitet, seine Gefühle zu externalisieren, ein Siebzigjähriger mit einer bemerkenswerten körperlichen Übung. Er spritzt Farbe auf die Leinwände, klatscht darauf, kratzt sie ab, verbrennt sie und kritzelt die Worte von Paul Celan (einem jüdischen Dichter, der auf Deutsch schrieb und ein weiterer wichtiger Berührungspunkt war) darauf. Wenn man sich den Film ansieht, wird schnell klar, warum Kiefers Arbeit so viel Lob und Vorführungen erhält. Es ist riesig und elementar. Was er tut, fühlt sich an wie ein Versuch, den gesamten Kosmos einzufangen.

Kiefers Stiftung, die La Ribaute unterhält, trägt den Namen Eschaton, ein Wort, das sich auf das Ende der Welt bezieht – in biblischen Begriffen auf den letzten Akt Gottes im Zeitalter der Menschheit. Was auch immer Ihre spirituellen Neigungen sind, das Wort erinnert nicht nur an ein spirituelles, sondern auch an ein physisches Ereignis: eine Welt in Flammen, steigende Ozeane und das Ende der Geschichte.

Deshalb ist „Anselm“ als 3D-Film so großartig. (Sie können es in 2D ansehen, und es ist gut, aber wenn 3D verfügbar ist, lassen Sie es nicht aus.) Sie spüren die Hitze der Taschenlampe, die Textur der Farbe, das Stroh, den Stein. Und tatsächlich trägt der Stoff der Welt Erinnerungen in sich, die wir am liebsten vergessen oder unterdrücken würden. Gebäude, Landschaften, Statuen und vergilbte Buchseiten zeugen davon, was wir einander antun, Generation für Generation. Ein Film wie „Anselm“ ist eine weitere Ebene der Bewahrung und ein kontemplatives Erlebnis, in dem sich Vergangenheit und Zukunft auf eine Weise begegnen, die wir sowohl fühlen als auch sehen können.

Der Film endet damit, dass der kleine Anselm und der erwachsene Kiefer durch dieselben Räume gehen: den Dogenpalast in Venedig, wo der Künstler letztes Jahr ausstellte, und sein Elternhaus und Schlafzimmer. Wir sind ganz nah bei ihm und lassen die Geschichte in unsere Sinne eindringen. Was ihn verletzt, darf auch uns verletzen.

Anselm
Nicht bewertet. Auf Deutsch, mit Untertiteln. Laufzeit: 1 Stunde 33 Minuten. In Theatern.