eine bemerkenswerte Interpretation einer alten Geschichte

Was für einen Unterschied ein Regisseur macht. In Robert Zemeckis’ jüngstem Remake von Disney PinocchioEs fühlte sich wie eine geradezu gruselige und unnötige Ergänzung an, Geppetto einen toten Sohn als Motivation für die Anfertigung einer hölzernen Nachbildung an seiner Stelle zu geben. Wann Guillermo del Toros Pinocchio (jetzt in ausgewählten Kinos und auf Netflix am 9. Dezember) macht das Gleiche, allerdings mit einem betrunkenen Geppetto, der eine grotesk halbherzige Nachbildung eines Ersatzsohns schnitzt, die er fertigstellen will, wenn er nüchtern ist, nur um sie zuerst zum Leben zu erwecken … das fühlt sich angemessen an. Der Regisseur, der für seine Liebe zum Grotesken bekannt ist, hat seinen Namen nicht ohne Grund in den Titel aufgenommen. Natürlich wollte er ihn von den Disney-Filmen abgrenzen, aber der vollständige Titel macht auch deutlich, dass es sich eindeutig um seine Version des Klassikers handelt. Carlo Collodis Fortsetzungsgeschichte für Kinder mag die Inspiration dafür gewesen sein, aber del Toro strebt nicht nach Treue. Er hat wirklich eine Einstellung, und wenn er Sie damit erschreckt, umso besser.

Die meisten breiten Striche sind noch vorhanden. Pinocchio (Gregory Mann) hat tatsächlich eine Grille (Sebastian von Ewan McGregor), die moralische Lektionen erteilt, dieses Mal buchstäblich aus der Brust des hölzernen Jungen, in der sich der Käfer eingenistet hat. Wie immer findet Pinocchio die Versuchungen eines Puppenspiels faszinierender als die Schule, und schließlich wird er von einem Meerestier verschluckt. All dies geschieht jedoch auch während des Aufstiegs Mussolinis in Italien, als sich die lokale faschistische Autoritätsperson Podesta (Ron Perlman, wer sonst?) für Pinocchio sowohl als potenziellen Unruhestifter als auch als möglichen Militärrekruten interessierte. Diesmal sind sich Geppetto, der Schausteller Count Volpe (Christoph Waltz) und der Podesta alle der widersprüchlichen Absichten des jeweils anderen gegenüber der schnurlosen Marionette bewusst; Es liegt an Pinocchio, tatsächliche, fundierte moralische Entscheidungen zu treffen, anstatt sich in die falschen Entscheidungen stürzen zu lassen, wie es in den meisten Erzählungen heißt.

Als Co-Regisseur mit dem Claymation-Veteranen Mark Gustafson von Will Vinton Studios erschafft del Toro eine so vollständig gestaltete Realität wie nie zuvor in der Live-Action; wohl umso mehr, da er auch Schauspieler von Grund auf kreiert. Die Menschen sind größtenteils so karikiert, dass es erstaunlich ist, dass man sich am Ende in sie hineinversetzen kann, doch die Sprachausgabe und die kleinen Gesten vermitteln die Illusion. Im Gegensatz zur ultra-sanften Stop-Motion von Wendell & Wilddie Animation hier, die vermutlich eine niedrigere Bildrate verwendet, behält die hektische, ruckartige Qualität älterer Einträge des Mediums bei, die mit den vielen klassischen Kinoanspielungen und Referenzen, die überall verstreut sind, harmoniert.

Der biblische Subtext der ursprünglichen Geschichte beinhaltete bereits den von Jona inspirierten Höhepunkt und die Vorstellung eines Zimmermannssohns, der auf magische Weise seine körperlichen Grenzen überschreitet. Dieses Mal gibt es noch mehr. Geppetto arbeitet an einem riesigen Holzkruzifix für die örtliche Kirche; Pinocchio, dessen Nägel aus seiner unvollendeten Gestalt herausragen, fragt sich, warum die örtlichen religiösen Faschisten diese gequält aussehende Holzfigur lieben, ihn aber nicht. Die Kosmologie, die in dieser Welt im Spiel ist, ist jedoch weit vom typischen Christentum entfernt, mit Särgen tragenden Hasen, die Särge in ein Leben nach dem Tod schleppen, das von einer Sphinx mit Tilda Swinton-Stimme geleitet wird. Wie in Hellboy IIdel Toro vereint sowohl die moderne Vorstellung von geflügelten Engeln als auch die antike Vorstellung von ihnen als vieläugige Monstrositäten.

Er weiß, dass Sie wahrscheinlich andere Versionen von kennen Pinocchio schon und spielt damit. Im Originalbuch wird anstelle von Disneys geliebtem Gewissen Jiminy die sprechende Grille von einem Hammer zerquetscht und getötet, sobald er versucht, Pinocchio zu sagen, was er tun soll. Die meisten Filmversionen sind davon abgewichen; del Toro nimmt es nicht nur an, sondern macht auch die verlorene Zeit wett, indem Sebastian J. Cricket in fast jeder Szene ständig von Schlägeln und anderen Dingen zerquetscht wird. Er ist ein widerstandsfähiger Käfer, aber er seufzt: „Oh, der Schmerz!“ so häufig wie Professor Smith auf dem Original Im Weltraum verloren. Zum Glück kann McGregor seinen natürlichen schottischen Akzent verwenden; Frühere Animationsfilme, in denen er für seine wackelige amerikanische Nachahmung engagiert wurde, ergaben nie viel Sinn.

In dem Maße, in dem der Film Fehltritte macht – und das tut er auch –, versucht er, ein Musical zu sein. Die meisten Lieder enden nach der ersten Strophe und sind so unvergesslich, dass, als Pinocchio an einer Stelle einen Parodietext zu einer von Geppettos früheren Nummern singt, Geppetto diese Tatsache laut vor sich hin bemerken muss, um klarzustellen, dass das so ist was passiert. Später, als Pinocchio zu einer früheren Nummer ein paar derbe Witze hinzufügt, spielt der Film sie so ab, als würde er singen Süd Parkist „Uncle Fucka“, obwohl es in Wirklichkeit eine überstürzte, übermäßig vergessene Sache ist, die sich vor allem durch den tadellos englischen Akzent von Mann auszeichnet, der „Poop“ und „Boogers“ sagt.

Auch das Seeungeheuer-Finale fühlt sich etwas gezwungen an, so als ob es für Pinocchio obligatorisch wäre, auch wenn es nicht ganz dazu passt Pinocchio. Del Toro ersetzt geschickt das Land des Spielzeugs durch eine faschistische Militärschule; Hätte ein Nazi-U-Boot den schrecklichen Hai nicht irgendwie ersetzen können? Die Sequenz wiederholt auch ein paar irritierende Nicht-Buch-Tropen, die in anderen Adaptionen verwendet wurden, wie Pinocchio, der seine verlogene Nase als Deus ex machina benutzt, oder Charaktere, die so schnell ins Wasser treten, dass ihre Beine zu Außenbordmotoren werden. (Zemeckis’ Remake hat beides getan, der Disney-Cartoon jedoch nicht.)

Zum Glück endet der Film hier nicht und geht an einige andere Stellen, an denen es ziemlich düster wird. Das Ganze ist so stilvoll und einzigartig verarbeitet, dass die Fehltritte vielleicht mehr auffallen, aber das hier Pinocchio Dennoch ist es eine würdige Aufnahme. Häufiger del Toro-Mitarbeiter Matthew Robbins und Über der GartenmauerPatrick McHale hat das Drehbuch gemeinsam mit dem Regisseur geschrieben, und manchmal fühlt es sich so an, als gäbe es im Refrain widersprüchliche Stimmen, aber das tut dem visuellen Stil keinen Abbruch, der alles vom deutschen Expressionismus bis Terry Gilliam, von Propaganda-Wochenschauen bis Anime aufgreift und zurück. In Rückblenden zu Geppettos glücklicheren Zeiten fühlt sich die Welt wie ein europäischer Kunstfilm an; Mit dem Niedergang des Faschismus steigt auch das Guillermo del Toro-Gefühl von dunklem, feuchtem Rust-Punk.

Pinocchio selbst behält den unvollendeten, handgemachten Look bei, ebenso wie der Film um ihn herum. Wie die Version von Zemeckis ist dies eine Pinocchio das bekräftigen möchte, dass Menschen mit Fehlern genauso gut sind, wie sie sind; Im Gegensatz zu ihm kann del Toro das schaffen, ohne den ehrgeizigen Charakter der Geschichte zu verraten. Keine Spoiler, aber seine Art, dieses Gleichgewicht aufrechtzuerhalten, erweist sich als unerwartet großartig.

Für Collodi-Fans das Perfekte Pinocchio Anpassung bleibt schwer fassbar. Aber vielleicht, wie uns der grob geschnitzte Protagonist mit offenen Nägeln in dieser Version immer wieder in Erinnerung ruft, ist Perfektion nebensächlich. Und langweilig obendrein – ein Adjektiv, das niemand, der bei klarem Verstand ist, auf den vorliegenden Film anwenden würde.