Eine Rezension von Rebeca Huntts Beba

„Ich ziehe in den Krieg und es wird Verluste geben“, sagt die Dokumentarfilmerin Rebeca Huntt zu Beginn von Beba, ihr roher und aufschlussreicher Versuch, ihre kulturelle Identität aus den Trümmern der unruhigen Vergangenheit ihrer Familie auszugraben. Diese Kausalitäten betreffen nicht nur die Menschen, denen sie wehgetan hat, oder die Gesellschaften und Systeme, die ihr wehgetan haben. Die biethnische New Yorkerin bezieht sich auch auf Zuschauer, die ihren Film und damit auch ihre Reise als den Höhepunkt des Narzissmus oder der Nabelschau der Millennial-Ära abtun werden. Das ist das Risiko, das sie in diesem zutiefst konfessionellen und manchmal mutig wenig schmeichelhaften Selbstporträt über das Generationentrauma eingeht, das in ihr einen „uralten Schmerz verursacht hat, den ich nur schwer verstehen kann“.

Sie artikuliert das Problem mit verträumten Bildern, dissonanter Musik und poetischem Voice-Over, und das Ergebnis ist eine mitreißende und schonungslos ehrliche Selbsteinschätzung. Es kann manchmal überwältigend sein, und es stimmt, dass Huntts tief verwurzelte Fähigkeit zur Selbstbeobachtung manchmal in Selbstbezogenheit gerinnen kann. Aber ihre zerreißende Ehrlichkeit und ihr unruhiger, suchender Geist machen es möglich Beba ein virtuoser Bombenabwurf einer Dokumentation.

Die Afro-Latina Huntt – als Kind Beba genannt – ist nicht nur die Summe aus Rasse, Klasse, Geschlecht und „den Flüchen meiner Familie“. Sie sei auch ihr Opfer, argumentiert Huntt eindringlich, und ihre Suche nach den Verantwortlichen beginnt in separaten Interviews mit ihren Eltern. Huntts liebenswürdiger Vater wurde auf einer dominikanischen Zuckerrohrplantage geboren und wanderte Mitte der 60er Jahre mit seiner Mutter nach New York aus. Nachdem er eine Familie gegründet hatte, zog er mit seiner Frau und seinen drei Kindern in eine Ein-Zimmer-Wohnung in New York City, „die beste, die ich mir leisten konnte“. Huntts besorgte Schwester erinnert sich an den Gemeinschaftsgarten des Viertels, wo sie als Kind einst winzige, weggeworfene Glasbehälter aufhob, sie in einen Blumentopf pflanzte und sie zum Vorführen und Erzählen in die Schule mitnahm. Es stellte sich heraus, dass es sich bei den Behältern um leere Fläschchen mit Crack handelte.

Huntts Beziehung zu ihrer venezolanischen Mutter Veronica ist viel umstrittener. Während ihres Interviews in einem Park wirft Huntt ihrer Mutter des Millennial-Verbrechens vor, eine „mikroaggressive Einstellung“ zu haben. Veronica reagiert, als würde ihre Tochter eine andere Sprache sprechen, was sie in gewisser Weise auch tut. Als Veronica später nach ihren Erfahrungen bei der Erziehung schwarzer Kinder gefragt wird, antwortet sie eindringlich, dass sie sich selbst als Lateinamerikanerin betrachte und nicht als schwarz, amerikanisch oder weiß. Es ist dieser Mangel an kultureller Grundlage, der ein wesentlicher Faktor für Huntts Identitätsprobleme zu sein scheint.

Weitere Belege dafür liefern Aufnahmen aus ihren jüngeren Jahren, darunter die Sommer ihrer Kindheit in einem Pueblo in den Anden, ihr Auslandssemester in Ghana und ihre Zeit am ultraliberalen Bard College. Ihre Universitätserfahrung, bei der sie Maya Angelou entdeckt und ihre Zeit zwischen den „künstlerischen schwarzen Kindern“ und den weißen Kindern aufteilt, ist bis zu einem gewissen Punkt positiv. Sie landet immer noch auf akademischer Bewährung, und als Huntt von ihrem gemischtrassigen Professor gesagt wird, sie solle keine Bauchhemden tragen, wird das zu einem weiteren Hindernis, das sie davon abhält, ihr wahres Selbst anzunehmen.

Huntt hat einen wilden und ungefilterten künstlerischen Geist, der manchmal dazu führen kann, dass sie ihren Fall überbewertet. Der Film wird durch unnötige Titelkarten unterbrochen und ihre Poetry-Slam-Voice-Overs können zu unangenehmen, dylanesken Zeilen führen wie: „Michael, von der Privatschule verwiesen, ein Bronx-Kind mit Wurzeln in Indien und Puerto Rico, mit bipolarer Störung und Röntgensicht.“ .“ Ihre Gedanken sind zwar scharfsinnig, enden aber manchmal mit rhetorischen Mikrofonabbrüchen, wenn weitere Erkundungen angebracht erscheinen. Im Alter von 17 Jahren „verliere ich meine Jungfräulichkeit an ein Arschloch“, sagt Huntt ohne weiteren Kommentar, und die Ursache ihrer angespannten Beziehung zu ihrem Bruder wird nie preisgegeben. In einer Post-Bard-Szene argumentieren ihre ahnungslosen, weißen, liberalen Freunde, dass es den Schwarzen heutzutage viel besser gehe, was dazu führt, dass ein wütender Huntt aus dem Raum stürmt. Aber ihre prägnante Schlussfolgerung, dass „es nichts Ehrenhaftes daran ist, sich in ein System zu integrieren, das darauf ausgelegt ist, einen zu zerstören“, verliert ihren Biss, als man im Abspann erfährt, dass das Gespräch inszeniert war.

Obwohl ihre bisherige Erfahrung als Regisseurin nur aus Kurzfilmen besteht, zeigt Huntt bei ihrem Spielfilmdebüt großes Selbstvertrauen und die wichtigsten Mitwirkenden unterhalb der Linie stimmen voll und ganz mit ihrer Vision überein. DP Sophia Stieglitz kreiert 16-mm-Bilder, die sowohl ohnmächtig als auch straßentauglich sind, während der Komponist Holland Andrews eine hypnotische Partitur liefert. Die Herausgeberin Isabel Freeman verarbeitet die Elemente zu einer wunderschönen Collage aus Bild, Ton und Emotionen. Diese Emotionen sind nicht immer angenehm, aber Huntts Wunsch, ein möglichst vollständiges Bild von sich selbst zu zeichnen, ist es, was sie hervorbringt Beba seine beunruhigende Energie. Sogar Passagen, die schwer zu hören sind, wie wenn Huntt zugibt, ihre Mutter während eines Familienstreits gewürgt zu haben, werden zu notwendigen Puzzleteilen, für die es keine einfache Lösung gibt.

Beba ist eine Arbeit des Suchens, nicht des Findens, ein visueller Essay, in dem sie die familiären Flüche darlegt, die sie behinderten, und die rassistischen Annahmen, die sie unterdrückten. Der emotionale Motor, der ihr Streben nach Verständnis antreibt, ist nicht Bedauern, Sehnsucht oder Verwirrung, sondern Wut und Schuldgefühle. Wut darüber, dass ihre Abstammung sie dazu verdammte, „stur, narzisstisch und chronisch grausam“ zu sein. Schuldgefühle, weil die Fehler ihrer Vorfahren jetzt so sichtbar sind, dass „ich fürchte, meine Familie wird nie wieder mit mir reden.“ Ich verspreche, das ist das letzte Mal, dass ich verrate.“ Durch die Äußerung dieser Ideen kann Huntt zumindest einen Teil ihrer Macht als schwarze Frau in Amerika zurückgewinnen. Im besten Fall ist es ein inspirierender Anblick. Trotz seiner Fehler oder, was wahrscheinlicher ist, wegen ihnen, Beba ist persönliches Filmemachen in seiner authentischsten Form.