Pablo Larraíns dekadentes neues Drama um Sex und Feuer

Die Drohung, als „schlechte Mutter“ abgestempelt zu werden, bleibt ein wirksames Mittel, um Frauen bei der Stange zu halten. Das heißt natürlich nicht, dass es keine unangemessene Erziehung gibt. Die Spannung zwischen diesen Realitäten zieht sich durch den neuesten Film von Jackie Regisseur Pablo Larraín. Ema (Mariana Di Girólamo) ist ein Freigeist, eine bisexuelle professionelle Tänzerin, zu deren Interessen der persönliche Ausdruck durch Bewegung und das Spielen mit ihrem Flammenwerfer gehört. Nach einem rätselhaften Anfang, bei dem sie wie eine Arthouse-Harley Quinn genüsslich einen Leistungstransformator zum Leuchten bringt, wird sie fortwährend mit verurteilenden Blicken und Vorträgen konfrontiert – hauptsächlich von anderen Frauen, aber auch von ihrem Ehemann Gastón (Gael García Bernal), der seit 12 Jahren als Choreograf arbeitet ihr Senior. Zunächst könnte man annehmen, dass diese Menschen einfach durch Emas unkonventionelle Ideen und Lebensstil bedroht sind. Aber es wird komplizierter.

Dies ist eine Zwiebel mit vielen Schichten. Ohne sie alle zurückzuziehen, kann man erkennen, dass Ema und Gastón etwa ein Jahr zuvor einen kleinen Jungen, Polo, adoptiert haben. Aber er lebt nicht mehr bei ihnen. Ein Haustier ins Tierheim zurückzubringen, ist schon genug stigmatisiert, aber ein Kind? Wie Ema es ausdrückt: „PDie Leute schauen uns in der Öffentlichkeit an, als hätten wir einen Hund mit einer Plastiktüte erstickt.“ Wie zu erwarten war, trägt Ema einen überproportionalen Anteil an dieser Schande, die Gastón ebenso missbräuchlich ausübt wie manche Ehepartner ihre Fäuste. So Ema reißt sich los und saugt Mitglieder von Gastóns Truppe ab, um eine polyamouröse Mädchenbande künstlerischer Terroristen zu gründen, die ihre Zeit damit verbringen, zu Reggaeton-Musik zu tanzen – ein Genre, das Gastón immer für unterlegen gehalten hat. Sie ficken auch, um es deutlich auszudrücken, alles, was sich bewegt. Aber ist diese Explosion des orgiastischen Exzesses ein trotziger Akt der persönlichen Befreiung oder ist es ein Bewältigungsmechanismus, der aus Trauer und Verzweiflung entsteht? Vielleicht beides, vielleicht auch keines.

Unabhängig von der Motivation – dieser Film fordert Sie geradezu heraus, über Ema zu urteilen, die trotzig in die Kamera starrt, als wollte sie sagen: „Was ist damit?“ – die Heldentaten der Crew scheinen eine Menge Spaß zu machen. Sie sicherlich sehen gut, wenn Larrains Kamera in den Tanzsequenzen, die in den Film eingewoben sind, in ekstatischer Bewegung um Körper schwebt und schwenkt. Der Regisseur unterscheidet zwischen den bürgerlichen Grenzen von Gastóns Theater und dem freieren, sexuell aufgeladeneren Ausdruck, der auf den Straßen von Valparaiso, der chilenischen Hafenstadt, in der unsere Geschichte spielt, stattfindet. Aber beide scheinen zum Zeichnen gedacht zu sein Zuschauer in den Groove des Films hineinzuversetzen, um uns dazu zu bringen, unsere Schultern zu lockern und ein wenig zu leben. Die exquisit abgestimmte Farbpalette aus Gummibärchen und Neon am Strand ist ähnlich lebendig und berauschend. Das gilt auch für den ausgefallenen Sinn für Mode von Ema und ihrer Crew. (In diesem Film gibt es viele eckige Haarschnitte.)

Larraín spart sich das befremdliche Zeug für den Inhalt von auf Ema, der genauso überstilisiert und desorientiert ist, wie die Zuschauer es von dem chilenischen Autor und Regisseur erwarten. Da ist zum Beispiel der Dialog, der Anschuldigungen und Geständnisse zu schwindelerregenden Knoten verwickelt, während die Charaktere gleichzeitig nichts und alles preisgeben. Es gibt die erschütternden Tonwechsel zwischen häuslichem Melodram und impressionistischem Hedonismus – ein bisschen so, als ob Höhepunkt Und Heiratsgeschichte wurden auf derselben Rolle zusammengeschnitten – und die unstrukturierten, fDie Einzelheiten von Emas Geschichte werden auf fragmentierte Art und Weise dargelegt. Vor allem aber verrät uns diese vordergründige Charakterstudie sehr wenig über die Titelfigur und vermittelt mehr darüber, wie andere Menschen sie sehen und wie sie das zu ihrem Vorteil manipuliert, als vielmehr darüber, wie sie sich selbst sieht. Unter der Last von Larraíns visuellem Stil lässt die Leere im Zentrum von Emas Charakter den Film fast zusammenbrechen, bevor ein verblüffendes Ende ihre wahren Beweggründe enthüllt.

Als Filmemacher geht es Larraín um Bilder und um die Gesichter, die wir der Welt zeigen, im Gegensatz zu denen, die wir für uns behalten. In Ema, diese Dichotomie explodiert durch den Druck, der auf seine gleichnamige Heldin ausgeübt wird. Ema hat weder die Zeit noch die Lust, die Person dieser Gesellschaft zu sein (oder ihr Ehemann) möchte, dass sie es ist. Auf die Frage eines potenziellen Arbeitgebers, was sie den Kindern einer Grundschule beibringen möchte, die einen Tanzlehrer benötigen, antwortet sie schlicht: „Freiheit.“ Sie macht die Dinge immer auf ihre Art und Weise, handelt instinktiv, ohne Kompromisse oder Bedenken. Macht sie das zu einer schlechten Mutter? Larraín überlässt die Entscheidung dem Publikum.