Spoiler Alert versucht, sich vom Kern der Tragödie zu distanzieren

Zu sagen, dass Trauer in vielen Formen vorkommt, ist eine so übertriebene Untertreibung, dass es sich wie eine Ausrede anfühlt, sie gleich zu Beginn einer Rezension anzupreisen. Und doch Spoiler Alarmbasierend auf Michael Ausiellos gleichnamigen Memoiren (mit der zusätzlichen Klarstellung: Der Held stirbt), ließ mich darüber nachdenken, wie wir mit Trauer umgehen. Nicht nur die Trauer darüber, einen geliebten Menschen zu verlieren – worum es in diesem Film sehr deutlich geht –, sondern auch die Trauer darüber, Teile von sich selbst zu verlieren, wenn man in einer langfristigen Beziehung ist. Oder die Trauer darüber, dass man sich von der Art und Weise verabschiedet hat, wie andere einen einst gesehen haben.

Trauer, so scheint dieser zartherzige Tränenfilm zu suggerieren, ist ein integraler Bestandteil des queeren Lebens. Es gibt keine Möglichkeit, seinen Fängen zu entkommen, selbst wenn Sie erfolgreich (zumindest dachten Sie) ein Leben mit einem Partner aufgebaut haben, der Sie liebt. Das „Sie selbst“ in diesem Satz ist Michael (Jim Parsons), ein TV-Blogger/Autor, der den Jackpot zu knacken scheint, als er Christopher „Kit“ Cowan (Ben Aldridge, in einer Hauptrolle, die zu einem Star werden sollte) trifft. Die beiden verlieben sich trotz offensichtlicher Warnsignale ineinander, im wahren Hollywood-Stil, der der romantischen ersten Hälfte des Films würdig ist. Und als dann, mehr als ein Jahrzehnt später, eine Krebsdiagnose die ohnehin schon recht prekäre Beziehung zwischen Michael und seinem Freund Kit zu zerstören droht, beweist das, dass man manchmal nur Liebe braucht.

Wenn eine solche Prämisse allzu abstoßend klingt, sollten Sie das in diesem Sinne wissen: Spoiler Alarm ist in vielerlei Hinsicht gleichermaßen vertraut und neu. Schließlich erzählen queere und heterosexuelle Filmemacher seit den 1980er Jahren gleichermaßen Geschichten über durch Krankheit unterbrochene Liebesbeziehungen und verkürzte Leben. Doch indem der Film eine Krebsgeschichte erzählt (und nicht eine HIV/AIDS-Geschichte), hebt er sich von dieser filmischen Linie ab und schließt sich gleichzeitig einer ähnlich robusten an. Und Regisseur Michael Showalter macht keinen Versuch, eine solche Abstammung zu verschleiern. Während einer Szene, in der Michael damit beauftragt wird, Kits Wohnung „enthomosexuell“ zu machen, sehen wir eine DVD davon Strände– der Film, in dem zwei Freunde erfahren, dass sie einander den Wind unter den Flügeln geben – und über ein Regal fallen, bevor er es aufsammelt. Später greift Michael selbst Shirley MacLaines Oscar-prämierte Rolle in dem tränenreichen Krebsdrama auf Bedingungen der Zärtlichkeit wie er es von seinem Mann verlangt (shush, das klang dramatischer!), zu sein! gegeben! A! Bett!

In dieser Vertrautheit gedeiht diese Adaption und erreicht die „Normalität“, nach der das amerikanische Publikum so oft schreit, wenn es über zeitgenössisches LGBTQ-Kino spricht. Hier handelt es sich schließlich um ein „normales“ Paar, das eine unaussprechliche Tragödie in Zeitlupe angeht, wie es viele andere zuvor getan haben. Und innerhalb dieser Vorlage schleicht sich das Drehbuch von David Marshall Grant und Dan Savage oft recht nuanciert auf die Intimität schwuler Männer und die Narben ein, die der Verborgene an diesen beiden ansonsten ausgeglichenen Schwulenprofis hinterlassen hat. Sogar die ruhigen Momente, die Kit mit seinen Eltern (gespielt von der strahlenden Sally Field und dem stets aufgeschlossenen Bill Irwin) teilt, sind liebevoll und geerdet und ermöglichen uns, mitzuerleben, wie Michael und Kits langjährige Partnerschaft sie zu einer Familie gemacht hat .

Klanglich ist der einzige eklatante Fehltritt also die Entscheidung, Michaels Kindheit als Familiensitcom aus den 1980er Jahren darzustellen. Dies sorgt für einen irritierenden Kontrast zu den geerdeten Rhythmen des restlichen Films. Die Szenen, die Michaels Besessenheit von den Tropen des Fernsehens als Bewältigungsstrategien für sein Verständnis seines Lebens zeigen sollen, reißen den Film immer wieder aus dem Pathos, auf das er zusteuert. Sie wirken fast wie eine Spielerei und beeinträchtigen die emotionale Intensität des Films.

Das Gleiche gilt für die Momente, in denen Spoiler Alarm entscheidet sich (absichtlich oder unabsichtlich) dafür, auf ein anderes Popkultur-Artefakt zu verweisen, das Ausiello (Autor und Charakter gleichermaßen) so liebt: nicht nur die Soaps, die er als Kind gesehen hat, sondern auch deren von Shonda Rhimes produzierte Erbin zur Hauptsendezeit. Greys Anatomy. Der Film hat so viele Montage-/Nadelstich-Momente – darunter einen, der Robyn zum Verzweifeln bringt! –, die so konzipiert sind, dass Sie das Gefühl haben, dass Sie sich wünschen, Showalter würde einen anderen Ansatz wählen, um die Momente von Verlust und Wut und Traurigkeit und Trauer in Einklang zu bringen ziehen sich wie ein roter Faden durch diese liebevolle Geschichte.

In ähnlicher Weise gibt es am Ende des Films eine Wahl, die sich an dieselbe meta-fiktionale Vorstellung von „Mein Leben ist eine Filmkulisse“ anlehnt, die sich so schlecht durchdacht anfühlt, dass man sich fragt, woher der Drang kommt, die Sentimentalität einer Sterbebettszene kurzzuschließen so notwendig für Grant, Savage und Showalter. (Verwandt: Je weniger wir über die Besetzung einer bestimmten bemerkenswerten Berühmtheit in einem entscheidenden Nebenauftritt mit einer verheerenden, aber schlecht umgesetzten Zeile sprechen, desto besser.)

Aber vielleicht sind es gerade diese Fehltritte, die helfen Spoiler Alarm Fühle mich so unheimlich liebenswert. Wenn der Film seine Deckung verliert – nämlich dann, wenn Aldridge seinen Charme als Kit entfalten kann oder es schafft, Field eine verwitterte Art wiedergeben zu lassen Stahlmagnolien Leinwandpräsenz – der Film singt. Doch seine Versuche, sich von dem eigentlichen Genre eines Films zu distanzieren, der er so eindeutig ist (als ich meine Vorführung verließ, blieb kein Auge trocken) scheitern am Ende an seiner Wirkung. Der Film trägt möglicherweise nicht den gesamten Titel von Ausiello. Aber der Wunsch, zum Ende zu springen, oder besser gesagt, vorwegzunehmen, wie man sich fühlen wird, wenn man weiß, wie es enden wird, zieht sich durch die Art und Weise, wie sich der Film organisiert – im Guten wie im Schlechten.