Venedig 2019: Die Wahrheit der Kunst in „The Burnt Orange Heresy“ in Frage stellen

Posted on 07.09.2019

Venedig 2019: Die Wahrheit der Kunst in „The Burnt Orange Heresy“ in Frage stellen

von Alex Billington
7. September 2019

Wie viel von der Kunstwelt ist Bullshit? Alles davon? Nichts davon? Etwas davon? Zu Beginn des Jahres hatten wir die abgefahrene Kunstwelt-Satire Samt-Kreissäge um uns über die Gültigkeit der Kunst wundern zu lassen, und jetzt, am Ende des Jahres, haben wir es getan Die verbrannte Orangen-Häresie. Dieser Film ist viel ernster, überhaupt keine Satire, mit nur ein paar Tropfen Leichtigkeit und viel mehr Dramatik. Zusammen mit haufenweise philosophischen Diskussionen über Kunst und darüber, was wirklich wichtig ist und ob irgendetwas davon real ist oder ob alles nur ein Haufen Blödsinn ist und trotzdem jeder es liebt. Der Film beginnt mit einer zum Nachdenken anregenden Darstellung der Hauptfigur über die Bedeutung der Kritik, die am Ende auch die Kunstkritik völlig als einen unsinnigen Job auflöst, der Kunst aufbauen oder zerstören kann, die wirklich getrennt ist (in ihrer Wahrheit oder Wahrheit). Reinheit oder Originalität) als das, was andere darüber sagen.

Geleitet von Giuseppe Capotondi (sein zweiter Spielfilm nach Die Doppelte Stunde im Jahr 2009) ist eine Adaption von Charles Willeford gleichnamiges Buch. Wir lernen einen großspurigen Kunstkritiker namens James Figueras kennen, gespielt von Claes Bang (aus Das Quadrat), der eine mysteriöse Frau namens Berenice Hollis trifft, gespielt von Elisabeth Debicki. Am Ende wälzen sich die beiden im Bett herum und begeben sich dann auf eine kurze Reise an den Comer See in Italien, um in der Villa eines exzentrischen Sammlers zu übernachten, wie er gespielt wird Mick Jagger (ausgerechnet – aber er passt in die Rolle). Das erste Drittel und das letzte Drittel sind der schwächste Teil dieses Films, da Figueras die einzige Figur ist, die sich wirklich mit einiger Tiefe durchsetzen kann, während der Rest etwas dürftig wirkt. Ich bin mir sicher, dass sie Tiefe haben, aber der Film bringt das nicht wirklich ins Detail. In der Villa angekommen entdecken sie einen lange verschollenen Künstler, gespielt von Donald Sutherlandwohnt in der Nähe und vielleicht haben sie Gelegenheit, ihn zu treffen und zu interviewen, um herauszufinden, wo er all die Jahre verbracht hat, und vielleicht einen Blick auf sein neuestes Werk zu werfen.

Was mich an diesem Film besonders fasziniert, ist, dass wir dem, was irgendjemand darin sagt, nicht wirklich vertrauen können. Nahezu jede letzte Dialogzeile jedes Charakters ist mysteriös. Und fast nichts davon kann man glauben. Alles, was jeder sagt, kann als Lüge, Fälschung oder eine Art irreführende Aussage interpretiert werden. Und obwohl all diese Dialoge natürlich ihren Sinn haben, müssen wir „zwischen den Zeilen lesen“ und uns um die Worte selbst herumarbeiten, um herauszufinden, was wirklich vor sich geht. Und finden Sie heraus, was sie wirklich sagen wollen. Wenn er davon spricht, dass Kunst nutzlos ist, bedeutet das vielleicht wirklich, dass da etwas mehr dahinter steckt. Oder vielleicht nicht…? Und ich liebe die Faszination, nicht zu wissen, ob das, was gesagt wird, wirklich für bare Münze genommen werden kann oder ob wir tiefer in die Materie eintauchen müssen, um die Wahrheit herauszufinden. Ähnlich wie Kunst (und Kunstkritik).

In der ersten Hälfte gibt es auch ein paar offensichtliche Anspielungen auf „Zima Blau“, Die Kurzgeschichte von Alastair Reynolds, der in der Netflix-Serie „“ in einen kurzen Animationsfilm umgewandelt wurde.Liebe, Tod und Roboter“-Serie in diesem Jahr. Der Rahmen dieses Films, in dem ein Kunstkritiker/Journalist die seltene Gelegenheit erhält, einen schwer fassbaren Künstler auf einem Anwesen am Wasser zu interviewen, ist derselbe wie in „Zima Blue”. Und wenn sie dann den Künstler treffen, Er spricht immer wieder über die Farbe Blau – und bezieht sich dabei auch wörtlich auf einen Pool, in dem er zum ersten Mal die reinste Farbe Blau entdeckte, die ebenfalls direkt aus „Zima Blue“ stammt. Aber das alles passt zu den größeren Ideen dieser Geschichte: und Willefords Original „The Burnt Orange Heresy“ BuchAdressen, über Wahrheit und Kunst und ob irgendetwas davon etwas bedeutet, oder ob es sich alles um einen Haufen sinnloser Pinselstriche handelt, denen wir eine Bedeutung zuweisen, weil wir es müssen.

Je mehr ich darüber nachdenke, desto mehr staune ich darüber, wie viel Mysterium er in jede einzelne Szene dieses Films einbaut. Es sind nicht nur ein paar Szenen oder bestimmte Momente mit dem Künstler, es ist so ziemlich alles. Zu Beginn gibt es ein Gespräch, in dem Figueras zugibt, dass seine Eröffnungspräsentation völlig erfunden war, aber dann erklärt er, dass einiges davon nicht gefälscht sei, einiges davon sei wahr (aber man weiß nie), und später wird es noch einmal zur Sprache gebracht, wie der Künstler dort sagt ist daran nichts Wahres, Aber Andererseits beginnt man sich wieder zu fragen, ob ein Teil dieser Wahrheit verwischt wurde, um ein Ziel zu erreichen. Oder um etwas klarzustellen. Ein Punkt, der tief in den Gesprächen und Ideen hier vergraben ist, darüber, wie wichtig die Wahrheit ist oder ob am Ende nur die Kunst zählt. Ob es einem erzählt Gut Geschichte ist wichtiger als das Erzählen einer WAHR Geschichte. Es regt einen wirklich zum Nachdenken an, und ich liebe diese Zweideutigkeit.

So sehr ich den Film größtenteils auch genossen habe, macht der dritte Akt fast alles zunichte, wenn er aus den Fugen gerät und nichts mehr einen Sinn ergibt. Nicht, dass es verwirrend wäre, aber die Charaktere fangen an, sich auf eine Weise zu verhalten, die einfach keinen Sinn ergibt. Und bevor man es merkt, geht es ohne große Erklärung weiter, und dann ist es plötzlich vorbei. Es ist eine unglückliche Wendung der Ereignisse in einem ansonsten betörenden, sorgfältig ausgearbeiteten Film über die Geheimnisse der Kunst und die große existenzielle Frage der Kunst was soll das alles heißen Und was wahr ist. Capotondis Kameramann David Ungaro Glücklicherweise übersättigt oder schwelgt er nicht, stattdessen sind seine Aufnahmen größtenteils recht subtil und geradlinig, was die gesamte Geschichte noch geheimnisvoller macht. Es hat genug Textur, um einen in seinen Bann zu ziehen, fühlt sich aber nie zu fantasievoll oder surreal an. Und das ist wichtig, um dieser Geschichte ein realistisches Fundament zu geben, das uns durch sie zieht – damit wir uns als Teil davon fühlen und herausfinden können, wie wir selbst in das Gespräch passen. Was tun? Wir glauben? Natürlich gibt es keine Antwort, aber der Film schafft es, uns fragen zu lassen, was eigentlich ist Ist real.

Bewertung von Alex’ Venedig 2019: 8 von 10
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