Le réalisateur de Till Chinonye Chukwu raconte l’histoire de Mamie Till-Mobley

Avec seulement deux longs métrages à son actif, Chinonye Chukwu a déjà fait ses preuves en tant que réalisatrice d’acteurs. Les vedettes de ses films offrent des performances époustouflantes ancrées dans la vérité psychologique de leurs personnages : sa première, Clémence, a trouvé l’incandescent Alfre Woodward au centre d’un drame brûlant sur la peine capitale et a donné à Aldis Hodge un rôle de signature; dans le futur Jusqu’à, elle travaille à nouveau cette magie avec Danielle Deadwyler, Whoopi Goldberg et John Douglas Thompson.

Au début, Chukwu raconte Le club audiovisuel, elle ne pensait pas avoir “la capacité émotionnelle” pour raconter l’histoire du lynchage et du meurtre d’Emmett Till. Mais lorsqu’elle a creusé dans la recherche, elle a trouvé sa voie : centrer la mère militante de la jeune fille de 14 ans, Mamie Till-Mobley (jouée par Deadwyler avec une perspicacité dévastatrice), et raconter une histoire d’amour entre une mère et son fils au lieu de montrer Des corps noirs torturés à l’écran. Son scénario co-écrit explore également la dynamique familiale du clan Till, en particulier avec Moses Wright (Thompson), un cousin sous la surveillance duquel Emmett a été kidnappé. Ici, Chukwu révèle comment elle et son équipe ont procédé pour recréer des scènes gravées dans la mémoire et l’histoire, tout en mettant au premier plan la vie émotionnelle des personnes qui les ont vécues.

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Le club audiovisuel: Quand on vous a demandé pour la première fois de raconter l’histoire d’Emmett Till, j’imagine que c’était intimidant. Quelle a été votre réaction ?

Chinonye Chukwu : J’ai été approché environ un mois ou deux après mon dernier film Clémence créée à Sundance. Je ne pensais pas avoir la capacité émotionnelle de raconter cette histoire à ce moment-là. De plus, ma vie avait changé en termes de poussée dans ce genre d’entreprise et d’industrie cinématographique. Il se passait beaucoup de choses dans mon monde. Et donc, il m’a fallu un certain temps avant que je réponde réellement. Mon approche et ma croyance en ma vision étaient qu’il n’y avait pas d’autre moyen de le dire que par le point de vue de Mamie. J’ai insisté pour que cela commence et se termine dans un espace de joie et d’amour. Je savais que ce serait le meilleur choix narratif et cela m’aiderait à être émotionnellement prêt à le faire. Cela équilibrerait l’intensité émotionnelle de la réalisation de ce film. Parce que lorsque vous faites le film, vous y êtes d’une manière totalement immersive. Une fois que j’ai partagé avec les producteurs mes non-négociables, ils étaient à bord. Cela a aidé à atténuer certaines des angoisses que j’avais à l’idée de me lancer là-dedans. Pourtant, il a fallu environ un an et demi avant que je sois prêt à plonger complètement et à faire le film et à commencer à réécrire le scénario. Pendant ce temps, je me rattrapais sur toutes les recherches qui avaient été faites.

AVC : Il y avait déjà un script écrit quand vous avez rejoint le projet. Quelle a été votre contribution au scénario que l’on voit réalisé à l’écran ?

CC : Quand j’ai été approché, il y avait un scénario écrit par deux producteurs, Keith Beauchamp et Michael Reilley, il y a des années. C’était essentiellement une très longue accumulation de faits importants et de recherches que Keith avait fait. J’ai fait une page une réécriture. J’ai tout réécrit, un scénario complètement différent qui parlait de Mamie. Je suis entré et j’ai écrit une histoire en utilisant les faits, les informations et les recherches qui figuraient dans leur brouillon. Il était important que l’histoire que je racontais soit enracinée dans l’exactitude historique et dans les faits. Ils ont pu utiliser certaines des transcriptions du tribunal et des extraits de l’autobiographie de Mamie, et j’ai pu prendre cela et en faire une histoire très ciblée, une étude de personnage et une histoire d’amour. Ce n’est pas seulement une accumulation de faits ou un documentaire ; c’est un récit cinématographique.

AVC : Vous avez tout de suite su que Mamie allait être au centre de votre histoire ?

CC : Oh, oui, depuis le début. Dès le premier instant où j’ai rencontré les producteurs, j’ai dit que je ne le fais pas à moins que ce ne soit le cas. C’était une grande raison pour laquelle j’avais besoin d’écrire ma propre version du script. Cela devait être une histoire sur Mamie et son parcours émotionnel. Parce que sans Mamie, on ne saurait pas qui est Emmett Till. Elle est le battement de cœur de tout ça. Il est inspirant de connaître son parcours après le lynchage d’Emmett et son intentionnalité dans la stratégie qui sous-tend son activisme.

AVC : Lors de la première du Festival du film de New York, vous avez dit que là où la caméra se concentre est son propre acte de résistance. Où avez-vous focalisé la caméra ?

CC : La caméra s’est concentrée sur le point de vue et le regard des Noirs, en particulier celui de Mamie et des personnes qui font partie de son écosystème, en les voyant centrés visuellement. Qui est dans le cadre et qui n’est pas dans le cadre sont tous deux des choix intentionnels. Et donc je savais que la façon dont j’allais centrer un regard noir et centrer une perspective noire était de garder la caméra sur les Noirs, en particulier Mamie et les gens de son monde, au lieu de donner la priorité à d’autres regards.

Un autre bon exemple de cela – quelque chose que j’étais vraiment intentionnel – est lorsque Moïse identifie JW [Milam, one of Till’s murderers] dans la salle d’audience lors de son témoignage. Nous nous déplaçons dans un angle de caméra bas, mettant l’accent sur Moïse et lui donnant une puissance et une force visuelles. Mais ce moment est à propos de lui et c’est un moment triomphant, courageux et puissant. Rester sur lui était un moyen de communiquer cela au lieu de réduire les visages de JW ou Roy [Bryant]. Il s’agit de Moïse.

AVC : Ces scènes sont puissantes. John Douglas Thompson est incroyable.

CC : Phénoménal.

AVC : En parlant de ça, entre John Douglas Thompson et Danielle Deadwyler ici, et Aldis Hodge et Alfre Woodard dans Clémence, vous vous construisez une réputation de directeur d’acteur. Pouvez-vous nous parler de ce qui se passe dans ces collaborations ?

CC : J’aime et respecte tellement le métier d’acteur. En tant que réalisateur, j’apprécie vraiment et j’ai besoin de travailler avec des acteurs motivés par l’artisanat. Et ce que je veux dire par là, ce sont des acteurs qui sont désireux et capables de creuser le sens et le sous-texte émotionnel et psychologique sous et entre les mots. Je l’écris avec cette intention, je dirige avec cette intention. Donc, quand je sélectionne des acteurs, je sélectionne des acteurs capables de faire ce travail et désireux de le faire, mais aussi des acteurs capables de communiquer une histoire avec leurs seuls yeux. Des acteurs qui peuvent tenir un cadre de manière non verbale, qui pourraient vraiment creuser dans les silences et les pauses entre les mots et entre les dialogues. Et puis après avoir été castés, nous creusons vraiment ensemble.

Alors Danielle a coché toutes ces cases en fonction du type d’acteur que je recherche. Elle contrôle et commande tellement son art et est prête à s’y rendre vulnérable. Après son casting, nous avons passé plusieurs mois à creuser dans chaque rythme émotionnel et chaque nuance qui existaient tout au long du scénario. Et nous l’avons fait plusieurs fois, parlant de la psychologie émotionnelle derrière et sous et entre les mots, creusant des mois de recherche. Au moment où nous sommes arrivés sur le plateau, elle avait une telle compréhension émotionnelle et psychologique inhérente de qui était Mamie. Lorsque nous tournions des scènes, qui étaient toutes dans le désordre, mon travail de réalisatrice consistait à lui rappeler où nous en étions émotionnellement et psychologiquement à ce moment-là, et à lui rappeler le travail que nous avions fait en préparation, le déballage que nous avions fait. S’il y avait quelque chose que je voulais changer ou modifier dans sa performance, mes notes étaient toujours liées à un sous-texte émotionnel et psychologique. Et je ne lui dis pas comment faire quelque chose, je lui rappelle ce qui se passe à l’intérieur de Mamie à ce moment-là. C’est comme ça que j’ai travaillé avec Alfre, c’est comme ça que j’ai travaillé avec Danielle, et avec tous les acteurs de mes films. Pendant que nous répétons, c’est toujours en termes de ce qui se passe sous les mots afin qu’ils puissent vraiment jouer à partir d’un lieu d’humanité.

AVC : La scène entre Mamie et Moses, et son aveu de culpabilité après le meurtre d’Emmett, a été une nouvelle révélation pour moi à propos de cette histoire. Comment l’avez-vous trouvé?

CC : C’est quelque chose que Keith a pu découvrir dans la recherche. Ce sont des faits importants que Keith et Michael ont exposés dans leur version du script. Mamie et Moses se sont rencontrés pendant le procès, et il a exprimé sa culpabilité et les complexités de cela. Je voulais clarifier le choix impossible et la position impossible dans laquelle se trouvait Moïse. Surtout pour moi-même, et je suis sûr que beaucoup de gens de nos jours penseraient probablement : “Tu as une arme à feu, utilise-la.” Je voulais que le public comprenne le monde dans lequel vivait Moïse, afin que nous puissions comprendre cette situation impossible et sympathiser avec lui. Pour montrer comment ce qui est arrivé à Emmett a eu cet effet sur un écosystème de personnes et a affecté la vie de nombreuses personnes de tant de manières différentes.

AVC : Le film recrée le célèbre Jet couverture de magazine de Mamie posant avec le corps mutilé d’Emmett. Pouvez-vous parler de travailler avec tous les membres de votre équipe pour vous assurer que cela se réalise de manière aussi viscérale, mais aussi sensible, comme c’est le cas ?

CC : Évidemment, c’est une partie essentielle de l’histoire, une partie très célèbre de l’histoire. Moi et tous mes chefs de département savions que nous devions obtenir la recréation de cette image absolument parfaite dans les moindres détails. Ainsi, du chef décorateur à Marcy Rogers, notre costumière, en passant par le directeur de la photographie, tout le monde a étudié cette image. Je pense que nous vivions et respirions cette image. C’est au tournage que j’ai eu l’idée de changer le format d’image, après Mamie et Gene [Mobley] mis en position pour la photo. Il m’a fallu jusqu’au processus d’édition pour trouver la manière la plus concise de communiquer cela. J’ai eu un “ah !” moment dans l’édition de changer le rapport d’aspect et de recréer la photo pour la superposer sur la couverture de Jet Magazine. J’ai pensé que c’était un moyen vraiment efficace de rassembler tout cela et de le communiquer d’une manière succincte et visuelle.

AVC : Enfin, j’adore la dernière photo édifiante de Jusqu’à. Vous avez parlé de joie et d’amour et de prendre soin du public noir et c’est ce que j’ai ressenti. Quelle façon d’envoyer votre public hors de l’histoire. Toutes nos félicitations.

CC : Merci beaucoup. J’apprécie cela.