Une entrevue avec le directeur de Keane, Lodge Kerrigan

En 1994, Lodge Kerrigan a remporté le prix Someone To Watch des Independent Spirit Awards pour son premier long métrage. Rasé de prèsavec Peter Greene (Pulp Fiction, Les suspects habituels) comme un schizophrène essayant de récupérer la garde de sa fille. Dix ans plus tard, le troisième film de Kerrigan, Keanea exploré des thèmes similaires, en suivant le personnage principal, joué avec un magnétisme agité par Damian Lewis (Bande de frères, Patrie) – alors qu’il lutte simultanément contre l’enlèvement de sa fille et sa propre maladie mentale non spécifique. Même si Kerrigan est constamment amené à explorer la santé mentale dans ses films, il le fait avec une subjectivité poétique qui capture la vie intérieure de ses protagonistes, encourageant l’empathie du public sans imposer de jugement.

Lorsque les droits à Keane, qui met également en vedette Amy Ryan et Abigail Breslin, récemment revenu à Kerrigan et au producteur exécutif Steven Soderbergh, Kerrigan a décidé de donner au public un nouveau regard sur ce projet extraordinaire. Il a également méticuleusement remasterisé le film pour rendre ses longs plans et ses environnements live plus lumineux et plus beaux que jamais. Après sa sortie à New York le 19 août, le film ajoute des dates à Los Angeles le 28 août. Kerrigan s’est entretenu avec Le Club AV sur la préparation Keane pour cette nouvelle présentation, et a réfléchi aux thèmes du film et à l’évolution de sa carrière de cinéaste indépendant et « amateur » autoproclamé.

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The AV Club : Qu’est-ce qui semble vous fasciner dans l’exploration de la maladie mentale ?

Lodge Kerrigan: C’est une très bonne question. je réfléchis Rasé de près et Keane, Je me demande simplement, en tant que société, si nous pourrions avoir plus d’empathie pour les personnes qui sont clairement en difficulté et qui font face aux énormes retombées économiques et aux conséquences liées à de graves problèmes et défis de santé mentale. En réalité, c’est aussi simple que cela.

AVC : Avant de développer Keanevous travailliez sur un projet avec Maggie Gyllenhaal et Peter Sarsgaard intitulé Dans les mains de Dieu, un film que vous avez essentiellement perdu. Pourquoi avez-vous décidé de passer à Keane au lieu d’essayer de refaire ou de reconstruire Dans les mains de Dieu?

LK : Je suis vraiment un peu réticent à en parler. Oui, nous avons perdu le film à cause de dommages négatifs. Il traitait du thème de l’enlèvement d’enfants, qui est similaire [to Keane], mais sur la plupart des autres aspects, c’était très différent. Steven Soderbergh était producteur exécutif de ce film, et il a dit : « Ne vous inquiétez pas, nous allons avancer » – et il a été vraiment fidèle à sa parole. J’étais toujours intéressé par le thème d’un événement qui pourrait changer votre vie de manière irrévocable, instantanément ou dans un laps de temps très court. J’ai donc gardé le thème de l’enlèvement d’enfants. Mais le film dans son ensemble est complètement différent. En particulier dans Dans les mains de Dieuil est très clair qu’un enfant a été enlevé, alors que dans Keaneje retiens cette information et c’est au public de vraiment répondre à beaucoup de questions. [But] en tant que cinéaste, refaisant un film que j’ai déjà fait, je n’aurais vraiment aucun intérêt à faire ça.

AVC : l’intensité du travail de caméra dans Keane attire vraiment les téléspectateurs dans son point de vue. Pouvez-vous parler de ce choix créatif et de la logistique nécessaire pour le faire ?

LK : D’un point de vue créatif, c’était très clair et simple : je voulais juste entraîner le public dans son monde émotionnel et psychologique, et je pensais qu’en restreignant le regard extérieur – ce n’est pas son point de vue, ce n’est pas subjectif – c’est aussi proche que possible. Ce film a vraiment changé toute mon approche de la réalisation et aussi de l’écriture dans la mesure où j’en ai écrit une grande partie sur place. Je savais que je voulais réussir à New York, alors je l’ai écrit dans Port Authority… dans les rues autour de Port Authority, en marchant jusqu’au tunnel Lincoln, en passant de l’autre côté dans le comté de Bergen, dans le New Jersey, en allant dans ces motels. , et je l’écris ici parce que je voulais capter une certaine énergie. Et puis pendant la période de répétition, j’ai simplement accompagné tous les acteurs, Amy Ryan et Abigail Breslin, à travers les lieux eux-mêmes afin qu’ils puissent voir les mondes occupés et habités par leurs personnages.

Puis j’ai invité John Foster [director of photography] venir à la période de répétition. Nous sommes sur place, le film est tourné, un plan par scène. Il s’agit principalement de montage à huis clos, mais il n’y a aussi que des sauts, ce qui est une façon de filmer à très haut risque. Je pensais que cela laisserait beaucoup d’espace aux acteurs pour vraiment exprimer leurs personnages dans une scène, mais cela créait certains problèmes techniques. Alors, quand est venu le moment de tourner, toutes les discussions avaient vraiment eu lieu. [That preparation] nous a permis de nous concentrer sur les performances, de synchroniser correctement le montage à huis clos et de faire évoluer les scènes de manière intéressante. Et donc j’ai vraiment essayé de guider les performances, mais en grande partie je me suis écarté et j’ai juste essayé d’exécuter autant que possible. Donc, couplé au tournage dans des environnements réels, cela a vraiment permis de rendre le tout électrisant – et cela a vraiment fonctionné.

AVC : Aviez-vous une réponse claire sur ce qu’aurait pu être le diagnostic de William, même s’il devait être seulement oblique ou imprécis dans le film final ?

LK : On sait que son personnage est en situation de handicap. Nous en avons parlé, peut-être que parfois, sous beaucoup de stress, il pouvait entendre des choses ou penser qu’il entendait des choses. Il est dans un état d’anxiété accru, de détresse, de manque de sommeil, il s’automédicamente, il a un comportement autodestructeur. En réalité, nous avons discuté de tout cela d’une manière spécifique, par opposition à son diagnostic réel et spécifique.

Mais quant à savoir s’il avait une fille ou non, oui, nous avons été très précis. Parce qu’il est impossible de mettre en scène ou de jouer une scène sans y croire ou sans savoir d’une manière ou d’une autre. Donc Damian et moi pensions qu’il avait une fille qui avait été enlevée. Mais ce que j’ai fait en écrivant, c’est de l’exprimer à travers son comportement plutôt que par le dialogue. Si vous regardez comment il interagit avec Kira, vous avez l’impression très claire qu’il est un parent – juste la patience qu’il fait constamment preuve avec l’enfant, pas que tous les parents sont patients. [laughs].

AVC : Dans Keane vous discréditez en quelque sorte complètement votre personnage principal au début, puis vous le reconstruisez et le démoliz tout au long du film. Dans quelle mesure a-t-il été difficile de déterminer jusqu’où vous pouviez pousser les risques que prend Keane tout en restant empathique ?

LK : J’étais intéressé à explorer quelqu’un à qui je voulais que le public réponde [that question] pour eux-mêmes. Si votre fille était enlevée, comment géreriez-vous ce niveau de chagrin et de perte ? Pourriez-vous un jour vous en remettre ? C’était vraiment intéressant pour moi. Ne pas décrire quelqu’un qui est sympathique ou antipathique, ou si quelqu’un est bon ou mauvais. Pour être tout à fait franc, je ne m’en soucie pas particulièrement d’une manière ou d’une autre. Je ne suis pas resté assis là, je veux que le public fasse ça. Alors j’imagine que c’est déstabilisant au début parce qu’on ne sait pas, est-ce que cette personne dit la vérité ou pas ?

En voyant qu’il est aux prises avec quelque chose, il fait des choix très égoïstes. Et il aimait aussi sa fille. C’est donc un être humain. Il possède toutes ces qualités, dont certaines répugnantes et d’autres vraiment admirables — et c’est cela être humain. J’étais donc plus intéressé par le chagrin. Il aime sa fille, comment va-t-il gérer cela ? J’ai donc tiré cette structure d’une théorie des cauchemars récurrents. Ainsi, lorsque vous faites un cauchemar qui se reproduit, ce que vous essayez réellement de faire, en substance, c’est de changer un événement traumatisant qui s’est produit dans votre vie. Pour lui, il estime que sa fille a été enlevée. Et ce qu’il fait, c’est recréer un autre enlèvement, un enlèvement potentiel, lorsqu’il emmène Kira au terminal de bus, afin de changer le résultat. [And] ce processus psychologique est ce que j’ai trouvé vraiment fascinant et en même temps très humain.

AVC : Vous êtes arrivé à un moment très particulier du cinéma indépendant. Je suis sûr que c’est formidable d’avoir un champion comme Steven Soderbergh, qui semble partager une certaine affinité avec la création d’art en soi. Mais avez-vous l’impression que le parcours créatif de votre carrière et les sujets que vous avez explorés ont été à la hauteur de vos attentes ?

LK : C’est une question chargée très compliquée [laughs]. D’emblée, oui, il y a un certain privilège à pouvoir réaliser et faire des films, donc je veux juste reconnaître que j’ai été très chanceux d’avoir eu la carrière que j’ai eue. [But] Au fur et à mesure que vous traversez différentes phases de votre vie, les priorités apparaissent différentes ou changeantes. Combien de fois pouvez-vous vivre dans la vie en réalisant des films sans budget après des films sans budget ?

Vous pourriez. Il y a des gens qui le font. La technologie a permis de réaliser des films à un coût incroyablement bas. Steven a créé des fonctionnalités sur un iPhone. Il est donc facile de dire « c’est l’industrie qui pose problème ». Mais je n’accepte pas tout à fait cela. Je pense que c’est beaucoup plus compliqué. Le dernier long métrage que j’ai réalisé était Rebecca H. (Retour aux chiens), que j’ai tourné à Paris. Il a été créé à Cannes, et puis c’était tout. Et puis je me suis tourné vers la télévision et j’ai vraiment trouvé la télévision très enrichissante d’une manière différente, dans le sens où je la compare à un réalisateur dans le système des studios des années 50 où vous êtes sous contrat et ils vous donnent juste un projet. et vous devez le diriger. Ce n’est pas forcément mon goût, mais ce sont des projets fantastiques, et j’apprends beaucoup en tant que réalisateur, donc je deviens plus polyvalent. J’ai trouvé cela incroyablement enrichissant.

Mon envie maintenant, je n’aime généralement pas parler de l’avenir, mais mon envie maintenant, c’est de revenir à des petits films d’auteur et qui auront probablement du mal à être distribués et à être vus. Mais je pense que c’est vraiment là que réside mon cœur. Et je dis cela dans le meilleur sens du mot « amateur », par amour : dans mon cœur, je suis un cinéaste amateur. Je ne le fais pas pour l’industrie ou pour le succès commercial. Je m’intéresse au processus de réalisation de films. Pas dans la projection de films – j’aime projeter avec un public, mais ce n’est pas mon objectif. En fait, j’apprécie vraiment le processus de création. Je pense donc que oui, nous vivons dans un monde où la frontière entre le cinéma commercial et l’art est très marquée. Et beaucoup de cinéastes essaient d’opérer dans cette zone grise entre les deux où ils obtiennent des financements et sont capables de s’exprimer et de réaliser leur propre travail. Mais c’est relativement simple de sortir et de faire un film si le coeur y tient et si c’est ce que l’on veut faire. Les outils existent, c’est très bon marché, donc j’essaie de ne pas prendre ça comme excuse pour ne pas faire de films.

AVC : Le remasterisé Keane ça a l’air superbe. En tant que personne qui, peut-être plus intensément que la plupart des cinéastes, a vécu la perte d’un effort créatif précieux avec Dans les mains de Dieuquelle opportunité vous offre cette réédition ?

LK : Eh bien, Magnolia a récupéré le film après l’avoir projeté à Toronto en 2004, mais les droits ont été rétablis, et Steven et moi étions au téléphone et il a dit : voulez-vous le remasteriser ? Et j’ai jeté un coup d’œil et je me suis dit : “Wow, j’adorerais remasteriser ça, c’est tellement magenta [laughs].» Tourner dans tous ces environnements mixtes d’éclairage et de direct était très difficile du point de vue de la correction des couleurs. Alors je suis allé le remasteriser. Qu’est-ce que j’en espère ? Je ne dis pas cela dans un mauvais sens, mais je ne suis pas sûr d’avoir un quelconque espoir. J’aimerais que les gens le voient, mais c’est à eux de décider [laughs]. Une fois que j’ai fait [a film]cela ne m’appartient plus vraiment, comme si j’étais toujours connecté émotionnellement à lui, mais davantage en tant que membre du public.

Mais la partie remasterisation, ce que vous pouvez faire avec la couleur maintenant [and] façonner la lumière du film étant donné que tout a été tourné dans un environnement réel, donc vous avez tout le temps des sources de couleurs mélangées juste pour équilibrer cela, c’était tout simplement merveilleux. Et je pense que c’est absolument magnifique. Quand je l’ai regardé pendant la remasterisation, j’ai été vraiment frappé par le magnétisme de Damian et par l’incroyable performance de Damian. Il porte ce film, et aussi à quel point Abigail Breslin et Amy Ryan ont été formidables. Et j’ai aussi été frappé par le fait que cela semble toujours vraiment d’actualité. Même en le regardant aujourd’hui, je dirais, wow, cela pourrait arriver aujourd’hui.

La troisième chose est à quel point c’était risqué ! Quand j’étais plus jeune, je n’avais peut-être pas vraiment compris à quel point je prenais un risque élevé, en pensant que je tournais dans des environnements réels et que je tournais un plan par scène. Il y a une scène dans Port Authority qui dure quatre minutes, donc si cela avait duré encore 10 secondes, nous aurions manqué de film. Vous pouvez tourner pendant trois minutes et demie dans un plan, dans une scène et quelqu’un descend d’un bus en arrière-plan et montre la caméra, alors vous n’avez aucune couverture, vous n’avez rien – vous repartez de zéro. Lorsque j’ai déterminé comment je voulais le filmer, un certain nombre d’amis et de collègues m’ont dit que vous devriez peut-être penser à obtenir une couverture traditionnelle simplement comme solution de secours. Mais cela valait la peine de consacrer de l’énergie et de donner de l’espace aux acteurs pour qu’ils puissent jouer la scène en une seule fois, sans la couper. Et à quel point c’était exaltant. Et je me suis en quelque sorte écarté et j’ai juste essayé de le capturer le plus rapidement possible.