Critique de « Napoléon » : un petit homme bossu et grincheux

Alors qu’il était dans la vingtaine et qu’il visita pour la première fois le studio où il tournera plus tard « Citizen Kane », Orson Welles aurait a comparé les films au meilleur train électrique qu’un garçon puisse avoir. Welles est une source d’inspiration déterminante pour Ridley Scott, qui est surtout connu pour ses épopées historiques à l’échelle monumentale comme « Gladiator » et « Kingdom of Heaven ». Dans ces films ainsi que dans son dernier spectacle, «Napoléon», joue Scott, pour pousser la métaphore de Welles plus loin, avec les plus grandes rames imaginables – des machines géantes, belles et rutilantes qui peuvent, tour à tour, vous transporter et vous submerger. C’est un gars de heavy metal.

“Napoléon” est un très grand film, comme on peut s’y attendre étant donné qu’il suit son sujet principal, du délire sanglant de la Révolution française aux champs de bataille à travers l’Europe, l’Afrique et, de manière catastrophique, en Russie. Ce qui est plus surprenant, cependant, c’est que le film est aussi souvent excentrique et parfois drôlement excentrique. Vous vous attendez à un savoir-faire et une technique raffinés de la part de Scott et aux plaisirs du cinéma de spectacle dans sa forme la plus étendue. Vous vous attendez à du poids, du sérieux, pas à un humour bruyant, ce qui explique sans doute pourquoi, en regardant le film, j’ai flashé sur l’axiome de Karl Marx selon lequel l’histoire est d’abord une tragédie, puis une farce.

Il s’ouvre à Paris au milieu de cette convulsion de violence appelée la Terreur, avec des foules déferlantes et criantes et le sifflement métallique de la lame de la guillotine qui tombe. Les aristocrates perdent la tête (Scott recrée une exécution avec une vraisemblance sanglante), et Napoléon Bonaparte – un Joaquin Phoenix fascinant, décalé et grumeleux – profitera bientôt du chaos. En peu de temps, l’histoire a fait un bond en avant et Napoléon se trouve désormais dans la ville portuaire de Toulon, dans le sud de la France, où il met stratégiquement en déroute la flotte anglo-espagnole qui a pris la ville.

Scott établit l’ascension précoce de Napoléon au pouvoir avec des images audacieuses et une économie narrative brusque, mettant en scène de manière vivante le moment historique avec des scènes à la fois de l’intérieur des couloirs du pouvoir révolutionnaire – entrez Robespierre – et de l’anarchie montante dans les rues. L’ascension de Napoléon à ce stade est largement facilitée par l’homme politique Paul Barras (Tahar Rahim), un opérateur soyeux avec l’allure pacifique d’un prédateur patiemment tapi et une hauteur aristocratique incontournable. Tout le monde s’adresse à l’autre en tant que citoyen, ce qui, dans le cas de Barras, apparaît comme la version du XVIIIe siècle du politiquement correct performatif. Ensemble, Barras et Napoléon consolident leurs positions. Sortie Robespierre.

Joséphine (une belle Vanessa Kirby) fait son entrée peu de temps après, attirant l’attention de Napoléon (son décolleté aide) et inaugurant la deuxième intrigue de l’histoire. Veuve dont le mari a perdu la tête pendant la Terreur, Joséphine vient de sortir de prison, une épreuve qui lui a laissé les cheveux courts et hachés et un sens aigu de la conservation. On ne sait pas du tout ce qu’elle voit réellement chez Napoléon, à part son uniforme, sa réputation grandissante et son intérêt évident pour elle. Elle est (relativement) pauvre pour une femme du monde et a des enfants, donc le désespoir joue un rôle, même si le film suggère que ce que Joséphine voit réellement, c’est le pouvoir.

Après l’apparition de Joséphine, le film se divise rapidement en deux lignes d’action, l’une impliquant les campagnes militaires de Napoléon et l’autre la relation du couple. Ce type de structure à double intrigue est un modèle familier du vieux Hollywood qui comporte deux volets entrelacés : impliquant l’aventure et romance – qui, ensemble, mettent fin à tout. Ce qui est inhabituel ici, c’est à quel point les lignes d’action restent séparées dans « Napoléon » et comment elles ne s’interconnectent pas autant qu’elles fonctionnent sur des pistes parallèles. Lorsqu’il n’affronte pas les Autrichiens, les Britanniques et les Russes, Napoléon se bat contre Joséphine, qui l’agace presque autant que le duc de Wellington (un amusant Rupert Everett).

Écrit par David Scarpa, le film retrace l’ascension incessante de Napoléon vers un pouvoir despotique – il se couronne lui-même empereur – au milieu d’intrigues politiques, de champs de bataille sanglants et de quelques disputes précipitées occasionnelles avec Joséphine, qui le réduit invariablement à sa taille. C’est un petit homme, on le rappelle régulièrement, et sa relation avec Joséphine (qui prend bientôt et naturellement une amante) le rend plus petit. Des morceaux de texte périodiques fonctionnent comme des titres de chapitre de facto, fondant la chronologie de l’histoire et annonçant la prochaine conflagration. Les personnages historiques vont et viennent (Paul Rhys joue Talleyrand), mais pour l’essentiel, le film glisse sur les complexités de la révolution et du règne de Napoléon ainsi que sur les raisons pour lesquelles la France a été entraînée dans des batailles sans fin sur tant de fronts.

Les scènes de guerre sont extraordinaires, vigoureuses, déchirantes et à juste titre grotesques. L’ampleur considérable de certaines de ces batailles contribue à leur conférer leur puissance viscérale, tout comme la mise en scène complexe de Scott et l’utilisation de masses d’acteurs humains et de chevaux. Avec des coups de canon, des éclats de fumée et les images et les sons d’armées d’hommes se précipitant à travers les champs vers leur mort, il transmet la frénésie de la guerre, sa chaleur et sa terreur. Alors que les combats se poursuivent et que le nombre de morts augmente, le gaspillage absolu devient écrasant, ce qui explique, j’imagine, la raison pour laquelle Scott semble si peu intéressé par le génie militaire tant vanté de Napoléon.

« Napoléon » est toujours surprenant en partie parce qu’il ne se conforme pas aux conventions des épopées historiques traditionnelles, ce qui est particulièrement vrai de son personnage titre surprenant et catégoriquement non romantisé. (Le film n’est pas non plus toujours conforme aux archives historiques, et certains peuvent contester la représentation de la bataille d’Austerlitz.) Dans les premières scènes, Napoléon semble être un autre personnage taciturne, troublant et énervant de Phoenix, énigmatiquement endommagé, violent. Hommes. La différence est que ce Napoléon, avec ses ballonnements, son air renfrogné et ses besoins dévorants, ne ressemble souvent à rien d’autre qu’à un bébé colérique et irritable, dont la cruauté et la vanité pathologique rendent l’horreur qu’il déchaîne d’une manière troublante et familière.

Napoléon
Classé R pour les scènes de guerre intenses. Durée : 2 heures 38 minutes. Dans les théâtres.