Todd Haynes capture l’esprit du groupe

“Il y a toujours eu une norme qui a été établie pour savoir comment être élégant et comment être brutal”, explique John Cale dans le documentaire de Todd Haynes. Le Velvet Underground. Il fait référence à sa collaboration avec le leader du Velvet Underground, Lou Reed, mais cela décrit parfaitement le modus operandi du groupe au cours de ces premières années influentes où ils étaient complètement immergés dans le monde new-yorkais. musique du centre-ville scène des années 1960. L’arrière-plan minimaliste de Cale s’accordait étonnamment bien avec les styles rythmique et blues de Reed, et cette combinaison musicale fournissait la base nécessaire à l’épanouissement de l’écriture non conventionnelle et taboue de ce dernier. Ensemble, ils ont jeté les bases d’un groupe qui a filtré l’avant-garde à travers le rock’n’roll et jeté une ombre sur la culture du XXe siècle, inspirant d’innombrables musiciens et artistes, même s’il a fallu un certain temps à tous ceux qu’ils ont influencés pour rattraper leur retard. .

La déclaration de Cale sonne également vraie pour Le Velvet Underground, qui raconte la vie éphémère du groupe en évitant de nombreuses conventions traditionnelles du documentaire musical. Au lieu d’une approche archivistique purement centrée sur le groupe (une impossibilité étant donné qu’il y a relativement peu d’images de The Velvet Underground sur scène) ou d’une approche plus formelle Derrière la musiqueDans le style leçon d’histoire, Haynes essaie une méthode de type collage qui raconte l’histoire des Velvets tout en évoquant la sensation chaleureuse et troublante d’écouter leur musique.

La conception sonore, gracieuseté de Leslie Shatz, collaboratrice régulière de Haynes, incorpore tellement d’éléments différents – des chansons complètes de Velvet aux côtés de fragments édités, des voix off d’interview, des signaux de bruitage et du matériel d’archives – qu’elle enveloppe le spectateur dans un espace audio tridimensionnel. Grâce à cette tactique, Haynes réussit un tour incroyable en faisant en sorte que des chansons classiques potentiellement surjouées comme « I’m Waiting For The Man » et « Heroin » sonnent fraîches et carrément effrayantes. Pour tous ceux qui choisissent de diffuser Le Velvet Underground sur Apple TV+, les écouteurs sont indispensables. Mais ceux qui ont la possibilité de voir le film dans une salle de cinéma devraient le saisir, car il est préférable de le vivre sur le système audio le plus bruyant possible ; les premières notes de « Venus In Furs », diffusées au tout début, feront trembler tout votre corps.

Haynes utilise une approche similaire pour Le Velvet Undergroundle style visuel de. Il explore la dimension cinématographique du son du groupe en s’inspirant de l’esthétique de la scène artistique expérimentale du milieu du siècle où les Velvets ont initialement prospéré. Par exemple, Haynes utilise l’écran partagé, à la Chelsea Filles ou encore les autres œuvres en double projection d’Andy Warhol, pour occuper constamment l’œil. Un côté du cadre présente fréquemment des interviews de têtes parlantes, tournées en 16 mm granuleux, avec un petit noyau d’associés de Velvet, dont les membres originaux survivants Cale et la batteuse Maureen Tucker, le cinéaste expérimental Jonas Mekas (à qui le film est dédié), et un » s’enthousiasme Jonathan Richman, fondateur de The Modern Lovers et aficionado de Velvets. L’autre face contient des images associatives provenant de diverses sources : des documents d’archives des Velours ; des extraits de publicités et d’émissions d’information, des images de sommités de la contre-culture ; un assortiment d’extraits du travail des cinéastes expérimentaux Stan Brakhage, Kenneth Anger et Marie Menken ; et celui de Warhol Tests d’écran du groupe (et d’autres notables Usine personnalités, comme la critique de cinéma Amy Taubin).

Ensuite, Le Velvet Underground est autant le portrait d’un mouvement artistique que l’histoire du groupe éponyme. En fait, il faut plus de 50 minutes à Haynes pour arriver à Warhol et rencontrer le groupe. Il utilise ce temps pour contextualiser de manière appropriée le groupe dans une tradition expérimentale, explorant l’implication de Cale dans le Theatre Of Eternal Music, un groupe d’avant-garde dirigé par La Monte Young dont la longue improvisation basée sur les drones s’est avérée avoir une influence non seulement sur les Velvets mais sur toute la scène artistique. Haynes relie cela à l’expérimentation de la durée par les cinéastes du centre-ville – comme le court métrage muet d’Andy Warhol “Kiss”, qui présente une série de couples s’embrassant à intervalles soutenus – ainsi qu’aux influences littéraires de Reed, telles que le poète Delmore Schwartz et les écrivains Beat des années 50. .

Le Velvet Underground démontre que le groupe était une affaire multidisciplinaire, puisant dans tous les horizons culturels, absorbant des idées artistiques en dehors de leur propre voie. Haynes risque potentiellement de s’aliéner les non-initiés en refusant de s’exprimer sur certains individus et certains mouvements, mais sa tactique d’épreuve par le feu a du succès. D’une part, cela reflète l’expérience des artistes et du public sur le terrain, qui étaient également censés suivre le rythme malgré des degrés de connaissances variés.

Bien sûr, Haynes couvre consciencieusement les principaux aspects de l’histoire des Velvets, qui sont tous connus des fans mais néanmoins présentés ici avec aplomb. Le Velvet Underground se concentre principalement sur les quatre premières années du groupe, depuis la première collaboration de Cale et Reed dans le groupe The Primitives en passant par l’implication cruciale de Warhol dans le groupe (sa notoriété publique, son choix d’embarquer le chanteur allemand Nico pour le premier album, et son le célèbre design de couverture de banane sont essentiellement la raison pour laquelle le Velvet Underground était une propriété connue) et le choix de Reed de renvoyer Cale du groupe afin qu’ils puissent évoluer dans une direction plus commerciale.

Haynes couvre le deuxième acte des Velvets, y compris l’embauche de Doug Yule et leur dissolution, à juste titre anticlimatique. Mais il le fait de manière précipitée, et c’est alors que cela s’est produit. Ce passage est un peu décevant par rapport au festin visuel qui le précède, mais il occupe heureusement une période relativement courte du film. Quoi qu’il en soit, Haynes prend une décision judicieuse en clôturant le film avec la rupture du groupe, reléguant les nombreux albums solo et les événements de la vie ultérieurs au montage. Selon le titre du film, The Velvet Underground est l’histoire. Période.

Il est révélateur que Haynes ne reconnaisse jamais la phrase célèbre et souvent mal citée de Brian Eno à propos du premier album des Velvets, selon lequel il « ne s’est vendu qu’à 30 000 exemplaires au cours de ses cinq premières années…[but] Je pense que tous ceux qui ont acheté un de ces 30 000 exemplaires ont créé un groupe. Peut-être qu’il le laisse de côté parce que nous vivons dans une culture qui a pleinement absorbé l’influence du groupe, et qu’une telle description ne s’applique plus à un acte autrefois culte dont l’iconographie peut désormais être achetée chez H&M. Au lieu de cela, Haynes tente de développer la vision hyperbolique du manager et publiciste Danny Fields selon laquelle : « Vous avez besoin de physique pour décrire ce groupe à son apogée. Il y avait de l’entropie en lui.

Les travaux antérieurs de Haynes exploraient la musique rock du milieu du siècle de manière non conventionnelle : Velours d’or était une version glam-rock des années 70 de Citoyen Kanetandis que le biopic kaléidoscopique de Bob Dylan Je ne suis pas là a choisi six acteurs différents, dont Richard Gere et Cate Blanchett, pour incarner la légende. Ici, Haynes utilise simplement les outils à sa disposition pour faire le travail. En fin de compte, il capture l’esprit inspirant de The Velvet Underground, un groupe construit sur le principe selon lequel marcher au rythme de son propre tambour est un acte artistique juste et rebelle.