Une critique de Inside avec Willem Dafoe

Avec ses yeux acerbes au bord de l’espièglerie et un sourire complice qui suggère souvent quelque chose d’un peu plus sombre qu’il n’y paraît, Willem Dafoe, la star de La dernière tentation du Christ et A la porte de l’éternité, fait partie des grandes âmes accablées du cinéma. Pour À l’intérieur, Dafoe met au travail chaque muscle anguleux et chaque ride de son visage pour un effet déconcertant. Il est le rôle principal parfait pour le récit de survie ingénieux et immersif du scénariste-réalisateur Vasilis Katsoupis, qui met un protagoniste progressivement torturé à travers l’essoreuse de manière inimaginable.

En fait, Dafoe est à peu près le seul personnage de ce psychodrame passionnant et inattendu, à l’exception d’une femme de chambre que son personnage voit à travers l’interphone de l’appartement de luxe dans lequel il est coincé, et d’un pauvre pigeon au destin sinistre aussi misérable que le sien. . Tout commence lorsque Nemo (Dafoe), un voleur d’art agile et rusé, entre rapidement dans le penthouse froidement chic et high-tech du centre-ville de Manhattan en question, qui abrite un artiste bien nanti avec une impressionnante collection d’œuvres d’art, d’Egon Schiele à Francesco Clément.

L’exercice est assez simple : Nemo doit se déplacer rapidement dans l’espace peu décoré et ultra-sophistiqué et collecter les œuvres d’art inestimables (œuvres authentiques rassemblées pour le film par le conservateur Leonardo Bigazzi) avec l’aide d’une voix à l’autre bout de son talkie-walkie, il appelle le numéro 3. Mais lorsque le système de sécurité apparemment incassable de l’appartement tombe en panne à la sortie de Nemo, toutes les voies de sortie possibles sont fermées et le numéro 3 disparaît, laissant Nemo abandonné dans un espace hostile qui ne veut pas subvenir à ses besoins de base. besoins comme la nourriture, l’eau et les niveaux de température habitables.

Même s’il est un peu cliché de parler d’un lieu de tournage comme d’un personnage à part entière, le faire pour À l’intérieur est peut-être la seule façon de rendre justice au niveau de travail lourd effectué par la conception ingénieuse de la production de Thorsten Sabel pour raconter cette histoire. En effet, chaque partie du penthouse où l’intégralité de À l’intérieur se déroule est un outil du script de Ben Hopkins (qui a été développé à partir d’une idée de Katsoupis). D’une manière générale, leur effort conjoint ressemble à un défi de salle d’évasion ou, plus précisément, à une saga de survie silencieuse (et parfois humoristique) comme Tout est perdu où la richesse et le luxe (au lieu de mère nature) sont les sources périlleuses d’un environnement hostile contenant des dizaines d’œuvres d’art inestimables qui sont aussi utiles à Nemo que des liasses de billets le seraient à Robinson Crusoé sur une île déserte.

Pourtant, que Nemo soit un artiste – au moins deux fois, sa voix off nous dit que son carnet de croquis est l’un de ses biens les plus précieux – est pratique pour le combattant solitaire. Tout au long de À l’intérieur, il opère comme un ingénieur-artiste d’installation, capable de construire une échelle de secours de fortune jusqu’à la lucarne des plafonds incroyablement hauts de l’appartement. Avant cela, il creuse un trou dans un cadre de porte en bois joliment orné pour (de manière attendue) toucher sa fondation en acier. Ensuite, il élimine d’autres options d’évasion comme essayer d’être entendu ou vu lorsqu’il se rend compte que la richesse dans laquelle il est enfermé l’a rendu inaccessible – comme le propriétaire de l’espace l’avait prévu. Alors il casse, détruit, dévisse et remonte les meubles mis à sa disposition, espérant sortir de sa prison spacieuse qui dysfonctionne peu à peu avec des températures extrêmement chaudes et froides. Pour aggraver les choses, il n’a pas d’eau à l’exception d’un arroseur intérieur chronométré et pas de nourriture à proprement parler autre que quelques boîtes de conserve d’aliments non nutritifs et quelques craquelins.

Tout au long de ce mordeur d’ongles à un seul endroit, vous pouvez voir sans ambiguïté la collaboration entre Katsoupis, Hopkins et Sabel élargir la portée de l’histoire de manière à la fois économique et intelligente et avec en toile de fond une esthétique brutaliste distante et glaciale. Il convient également de noter la cohésion de Bigazzi – les œuvres d’art qu’il a sélectionnées (en particulier une photo de famille) se concentrent sur les yeux, créant un sentiment collectivement épineux que Nemo est constamment observé de l’intérieur.

Comme pour la plupart des œuvres d’art, le message de À l’intérieur est dans l’œil du spectateur. Il est possible de lire cet exercice original comme une critique de l’extrême richesse et de la prétention dans le monde de l’art, dont aucune ne peut nourrir son corps ou sauver un humain de sa disparition éventuelle. Il est également possible d’être submergé, ennuyé ou de se sentir insensible à la répétitivité de tout cela au fil du temps et des saisons, les excréments de Nemo s’accumulent et l’appartement autrefois élégant devient inhabitable. Ce critique penche résolument vers l’ancienne lecture – il est en effet admirable que Katsoupis laisse À l’intérieur ouvert sans devenir lourd ou moralisateur. Pourtant, le plus grand atout de l’image est la finesse de Dafoe dans une partie à la fois physiquement exigeante et diaboliquement amusante à voir. C’est comme si quelqu’un l’avait déposé au milieu d’un magasin d’antiquités avec une batte de baseball et lui avait dit : « Va en ville ! Et qu’il fait.

(À l’intérieur sort en salles le 17 mars)