Venise 2019 : remettre en question la vérité de l’art dans « L’hérésie de l’orange brûlée »

Venise 2019 : remettre en question la vérité de l’art dans « L’hérésie de l’orange brûlée »

par Alex Billington
7 septembre 2019

Dans quelle mesure le monde de l’art est-il une connerie ? Tout? Rien de cela? Un peu de? En début d’année, nous avons eu la satire funky du monde de l’art Scie circulaire en velours pour nous faire réfléchir sur la validité de l’art, et maintenant, à la fin de l’année, nous avons L’hérésie de l’orange brûlée. Ce film est beaucoup plus sérieux, pas du tout une satire, avec seulement quelques gouttes de légèreté et bien plus de drame. Avec des tas de discussions philosophiques sur l’art et ce qui compte vraiment et si tout cela est réel, ou si ce n’est qu’un tas de conneries et pourtant, tout le monde l’aime de toute façon. Le film s’ouvre sur une présentation stimulante du personnage principal sur l’importance de la critique, qui à la fin décompose également complètement la critique d’art en tant que travail absurde qui peut construire ou démolir un art véritablement séparé (dans sa vérité ou sa nature). pureté ou originalité) que ce que les autres en disent.

Dirigé par Giuseppe Capotondi (son deuxième long métrage après L’heure double en 2009), il est adapté du roman de Charles Willeford livre du même nom. Nous faisons la connaissance d’un critique d’art arrogant nommé James Figueras, joué par Claes Bang (depuis La place), qui rencontre une mystérieuse femme nommée Berenice Hollis, interprétée par Elizabeth Debicki. Les deux finissent par se rouler dans le lit, puis embarquent pour un court voyage jusqu’au lac de Côme en Italie pour rester dans le manoir d’un collectionneur excentrique, interprété par Mick Jagger (de toutes les personnes – mais il correspond au rôle). Le premier tiers et le dernier tiers sont la partie la plus faible de ce film, puisque le seul personnage qui s’impose vraiment avec une certaine profondeur est Figueras, tandis que le reste semble un peu fragile. Je suis sûr qu’ils ont de la profondeur, mais le film ne l’établit pas vraiment de manière détaillée. Une fois au manoir, ils découvrent un artiste disparu depuis longtemps, joué par Donald Sutherlandvit à proximité et ils auront peut-être l’occasion de le rencontrer et de l’interviewer pour savoir où il a vécu toutes ces années et peut-être avoir un aperçu de son dernier travail.

Ce que je trouve particulièrement fascinant dans ce film, c’est qu’on ne peut pas vraiment faire confiance à ce qui y est dit. Presque chaque dernière ligne de dialogue, de chaque personnage, est mystérieuse. Et on ne peut presque rien croire de tout cela. Tout ce que tout le monde dit peut être interprété comme un mensonge, une invention ou une sorte de déclaration trompeuse. Et même si tout ce dialogue a un sens, car c’est bien sûr le cas, nous devons « lire entre les lignes » et contourner les mots eux-mêmes pour comprendre ce qui se passe réellement. Et découvrez ce qu’ils essaient réellement de dire. Peut-être que lorsqu’il dit que l’art est inutile, cela signifie vraiment qu’il y a quelque chose de plus. Ou peut être pas…? Et j’aime l’intrigue de ne pas savoir si ce qui est dit peut vraiment être pris au pied de la lettre ou si nous devons creuser davantage pour trouver la vérité. Un peu comme l’art (et la critique d’art).

Il y a aussi quelques références évidentes tout au long de la première moitié à “Bleu Zima“, le histoire courte d’Alastair Reynolds qui a été transformé en court métrage d’animation dans “Amour, mort et robots” cette année. Le cadrage de ce film dans lequel un critique d’art/journaliste a une rare opportunité d’interviewer un artiste insaisissable dans un domaine au bord de l’eau est le même que dans “Zima Blue”. Et puis une fois qu’ils rencontrent l’artiste, il parle encore et encore de la couleur bleue – y compris en faisant littéralement référence à une piscine dans laquelle il a découvert pour la première fois la couleur bleue la plus pure, qui est également directement issue du “Zima Blue”. Mais tout cela est lié aux idées plus grandes de cette histoire, et l’original de Willeford “The Burnt Orange Heresy” livredes adresses, sur la vérité et l’art et si tout cela signifie quelque chose, ou si tout cela n’est qu’un tas de coups de pinceau inutiles auxquels nous attribuons un sens parce que nous le devons.

Plus j’y pense, plus je suis impressionné par le mystère qu’il apporte à chaque dernière scène de ce film. Ce ne sont pas seulement quelques scènes, ou certains moments avec l’artiste, c’est à peu près tout. Il y a une conversation au début dans laquelle Figueras admet que sa présentation d’ouverture était entièrement inventée, mais ensuite il explique que certaines parties n’étaient pas fausses, certaines parties sont vraies (mais on ne sait jamais), puis plus tard, cela est évoqué à nouveau comme le dit l’artiste ici. ce n’est pas vrai, mais là encore, vous commencez à vous demander si une partie de cette vérité n’a pas été maculée afin d’atteindre un objectif. Ou pour faire valoir un point. Un point profondément enfoui dans les conversations et les idées ici, sur l’importance de la vérité ou sur la question de savoir si l’art est tout ce qui compte en fin de compte. Qu’il s’agisse de dire à un bien l’histoire est plus importante que de raconter un vrai histoire. Cela fait vraiment réfléchir, et j’aime cette ambiguïté.

Même si j’ai apprécié la majeure partie du film, le troisième acte gâche presque tout lorsqu’il déraille et plus rien n’a de sens. Non pas que ce soit déroutant, mais les personnages commencent à agir d’une manière qui n’a tout simplement aucun sens. Et avant que vous vous en rendiez compte, les choses avancent sans trop d’explications, et puis tout d’un coup, c’est fini. C’est une tournure malheureuse des événements dans un film par ailleurs séduisant et soigneusement conçu sur les mystères de l’art et la grande question existentielle de Qu’est-ce que tout cela veut dire et Qu’est-ce qui est vrai. Le directeur de la photographie de Capotondi David Ungaro Heureusement, il ne sature pas ou ne se luxe pas, mais ses clichés sont pour la plupart assez subtils et simples, ce qui ajoute au mystère de toute l’histoire. Il a suffisamment de texture pour vous attirer, mais ne semble jamais trop imaginatif ou surréaliste. Et c’est important pour ancrer cette histoire dans un sens de réalisme et nous aider à la traverser – afin que nous puissions en faire partie et découvrir nous-mêmes comment nous nous inscrivons dans la conversation. Qu’est-ce que nous croire? Bien sûr, il n’y a pas de réponse, mais le film réussit à nous faire nous demander ce qu’est réellement est réel.

Note d’Alex’s Venise 2019 : 8 sur 10
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